Piñata

"Alligator"

2009-06-30T08:13:00.000-07:00

Lo mejor de The National son sus letras. Ya está, lo dije. Matt Berninger es un genio de la pluma y el papel y de las cuerdas vocales y el micrófono. "Alligator" de 2005 es su tercer álbum y el que los puso en la libreta de notas y listas de fin de año de los críticos. Originarios de Cincinnati, al escucharlos es casi imposible creer que no sean neoyorquinos, aunque hoy en día están basados en Brooklyn. Su sonido es una extraña mezcla del más puro indie y esa especie de balada de piano de ebrios en bares llenos de humo y con los últimos sobrevivientes de la era del burlesque como Tom Waits y hasta Enrique Bunbury.

Con guitarras dignas de aquella resurrección del post-punk de principios y mediados de la década que vio a bandas como Interpol canalizando a Television y Joy Division desde sus respectivos tiempos, música indie, monótona, aguda, repetitiva, hipnótica, pegajosa, a veces sombria y alegre pero siempre punteada por la entrega de Berninger. Desde "Secret Meeting", que abre el disco, nos damos cuenta de lo especial de su voz, monótona, grave, casi aburrida y sin embargo tan emocional. Es en esta entrega tan deadpan que el impacto de The National se hace evidente, sobre todo mientras Berninger sigue hablando tan cool y poco afectado, como poeta de cuello de tortuga negro y bongós, mientras las vocales secundarias gritan a todo pulmón "it's in the basement, honey" o algo así.

Las letras se empiezan a destacar en "Karen", aunque no hay una línea o estrofa que amerite citarse, toda la canción empieza a dar nota del estilo líterario de la banda. Imágenes absurdas, algo de verbosidad, metáforas casi poéticas y referencias abstractas a "América" punteadas con muy pocas pero muy bien empleadas groserías. Asimismo, uno de los temas principales del disco se nota, el ego. En "Lit Up" Berninger llama a alguien "la vida baja de la fiesta, malasangre para todos", y en "All the Wine" él clama "estoy armado hermosamente | gran botella húmeda en mi puño | gran rosa húmeda entre mis dientes | soy un perfecto imbécil | como todo californiano | tan alto que destaco en la calle | con haces de luz a mi espalda | soy un festival, un desfile" y que "lo siento, pero la caravana tendrá que darme la vuelta esta vez | porque Dios está de mi lado | soy la niña novia", utilizando probablemente las dos personas más egocéntricas que puedas encontrar (un niño y una novia en el día de su boda) para ilustrar el ego a la vez enorme y por los suelos de algún personaje. En "Baby, We'll Be Fine" el coro es simplemente "lo siento tanto por todo" repetido como verdadera oración entre peticiones a alguien "di algo perfecto, algo que pueda robar", un grito de "sálvame", "rescátame" si alguna vez ha habido alguno.

En "The Geese of Beverly Road" es donde Berninger quizá suena más romántico con la estrofa "liberaremos a los gansos de Beverly Road | hey, amor, nos saldremos con la nuestra | correremos como si fuéramos geniales, genios totales | somos los herederos del mundo brillante" y las geniales "iremos de carro en durmiente carro | susurrando en sus durmientes oídos | 'estuvimos aquí, estuvimos aquí'" y "ven a ser mi mesera y sírveme esta noche | sírveme el cielo con una gran rodaja de limón". La última canción del disco, "Mr. November" cierra con broche de oro con su coro de "soy la nueva sangre azul, la gran esperanza blanca | no nos joderé, soy el Sr. Noviembre" y la última analogía del bipolar ego de las letras de Berninger, "solía ser cargado en los brazos de porristas".

Un último detalle de la música de The National y lo que los diferencia de tantas otras bandas es el hecho de que entre sus miembro se encuentra Padma Newsome, miembro también de Clogs y absoluto virtuoso del violín. Recuerdo perfectamente cuando los vi en vivo y entre Berninger gritando sus letras a todo pulmón sin moverse y sin expresión en su cara y toda la gente y todo eso, lo que más destacaba sin duda alguna era el talento del violinista, tocando con esa energía especial del rock pero con el virtuosismo de solista de orquesta. Verdaderamente fue algo único.

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The best thing about The National is their lyrics. There, I said it. Matt Berninger is a genius of the pen and paper and of the vocal chords and microphone. 2005's "Alligator" is their third album and the one that would place them on the notepads and end-year lists of music critics. Originally from Cincinnati, when hearing them it's pretty difficult to believe they're not from New York, although they are based off Brooklyn nowadays. Their sound is an odd mixture of the purest indie and that sort of drunken piano ballads from bars blinded by smoke and with the last survivors of the burlesque era such as Tom Waits and even Enrique Bunbury.

With guitars worthy of that post-punk resurrection of the early and middle years of the decade, which saw bands such as Interpol channeling Television and Joy Division from their respective time frames, indie, repetitive, monotone, sharp, hypnotic, catchy, sometimes somber and glad music always marked by Berninger's delivery. From the opener "Secret Meeting" we realize how special his voice is, monotone, deep, almost bored and yet so emotional. It's in this deadpan delivery that The National's impact becomes evident, specially when Berninger sounds so cool and unaffected, while the background vocals shout with all their might "it's in the basement, honey" or something like it.

The lyrics begin shining on "Karen", and while there's no one line or stanza worth quoting, the whole song highlights the band's literary style. Absurd imagery, some verbosity, nigh-poetic metaphors and abstract references to "America" interspersed with some very well-employed cursing. Likewise, one of the main themes of the album becomes noticeable, ego. In "Lit Up" Berninger calls an unknown someone "the low life of the party | bad blood for everybody", and in "All the Wine" he claims "I'm put together beautifully | big wet bottle in my fist | big wet rose in my teeth | I'm a perfect piece of ass | like every Californian | so tall I take over the street | with light beams shining on my back | I'm a festival, I'm a parade" and "so sorry, but the motorcade will have to go around me this time | 'cause God is on my side | and I'm the child bride", using which are probably the most egocentric characters one could possibly find, a child and a bride, to illustrate the at times huge and others down low ego of some character. In "Baby, We'll Be Fine" the chorus is a simple "I'm so sorry for everything" repeated as a true prayer amongst shouts for someone to "say something perfect, something I can steal" as the most honest screams of "save me" that have ever been.

It's quite probably on "The Geese of Beverly Road" that Berninger sounds at his most romantic with the stanza "we'll set off the geese of Beverly Road | hey love, we'll get away with it | we'll run like we're awesome, totally genius | we're the heirs to the glimmering world" and the brilliant "we'll go from car to sleeping car | whisper in their sleeping ears | 'we were here, we were here'" and "come be my waitress and serve me tonight | serve me the sky with a big slice of lemon". The last song of the album is "Mr. November" and it closes it magnificently with its chorus of "I'm the new blue blood, I'm the great white hope | I won't fuck us over, I'm Mr. November" and the final analogy to the bipolar ego of Berninger's lyrics "I used to be carried in the arms of cheerleaders".

A final detail of The National's music and that sets them apart from so many other bands out there is the fact that they count Padma Newsome amongst their members, who also plays in Clogs and is a true fiddle virtuoso. I perfectly remember the time I saw them live and amongst Berninger shouting his lyrics out without any motion and with a plain face and all the people and all that, what was most noticeable was the talent of this fiddler, playing with that unique energy of rock but with the vituosity of an orchestra soloist. Truly something unique.

Lady Gaga / Bat for Lashes

2009-06-23T10:47:00.000-07:00

OK, tengo que confesar algo. Sin importar cuánto daño le haga a mi credibilidad indie, debo de sacarme esto del pecho. Me encanta "Poker Face". Mejor dicho, la canción me parece decente, pero el primer minuto me parece sencillamente brillante. Lo mismo con el video, todo lo que concierne a Lady Gaga, saliendo de la piscina, vestida de negro, máscara vienesa de bola disco, entre gran daneses, es estética pura. Y si hay algo que me gusta y busco en las artes visuales: eso es la estética. Y todo en medio de ese asquerosamente pegajoso "mah-mah-mah-mah-MAH" y la memorable línea de sinte.

La mismísima Lady Gaga me parece bastante interesante también. Inició desde muy chavita en exhibiciones artísticas con su compañera Lady Starlight en plena escena neoyorquina, donde mezclaban ironía con creatividad y sexualidad y más que solo un poco de burla hacia la música y artistas que las inspiraban. Origen bastante más interesante que el club de Mickey Mouse o el pinche Disney Channel, creo yo. Aparte de que su carrera ya como ícono y figura prominente del pop es increíblemente ambigua, no tengo la menor idea de si esa personalidad sobre-sexualizada de chica rubia (artificial, claro) para la que "la moda lo es todo" es un acto, es ironía, es burla, es en serio, es una mezcla indescifrable de todas o no es ninguna.

Ahora, Bat for Lashes es el nombre artístico de Natasha Kahn, británica nacida seis años después de Gaga y una de las nuevas reinas de la escena indie. Reconocida por Thom Yorke, M.I.A. y Björk, ya con dos discos en su haber, "Fur and Gold" de 2006 y "Two Suns" de 2009. Básicamente, una de esas nuevas artistas a las que Pitchfork se la pasa haciéndole los mandados, lo cual me llevó a ponerla en mi lista de esos artistas a los que tenía que escuchar hace como tres meses y de quien luego me olvidé por completo. Hasta hoy, claro, que decidí buscarla en YouTube y escuché "Daniel" por primera vez.

Hasta ahora, esta parece una entrada extraña, la biografía de dos artistas que no tienen nada en común y comentarios y opiniones al azar respecto a ambas. Y yo antes pensaba lo mismo, que una no podría tener nada que ver con la otra. O al menos eso creía hasta "Daniel", porque verán, para mí "Daniel" es todo lo bueno que "Poker Face" es, sin nada de lo malo. En resumen, "Daniel" es mi canción pop perfecta, y en un mundo ideal, Bat for Lashes sería la estrella pop perfecta. Pero este mundo es lo que es, y a Lady Gaga la escuchas en cualquiera antro al que vayas y a Bat for Lashes la escuchas en el Mixup cuando todos los empleados dejaron de poner atención a la música que están tocando o en MTV cuando quien quiera que se encarga de programar los realities se queda dormido.

Sin embargo, no estoy diciendo que Bat for Lashes es intrínsecamente superior a Lady Gaga, al menos no como personalidad, aunque musicalmente yo diría que al menos un poco sí, lo es. Aunque claro, lleva más experiencia en todo esto de, ya saben, existir. Me parece curiosa e interesante la manera en que se contrastan y complementan en la escena musical, sobre todo en el mercado de "solistas femeninas de corte pop". Ambas están en extremos opuestos del espectro de la ironía (un espectro probablemente circular donde no hay lados opuestos), donde BfL abraza la variante que dice que hay un punto donde estás tan pasado de moda que eres la moda y Gaga está en el punto en que ¿qué importa si no veo nada con estos lentes y este vestido con estalagmitas me impide moverme, si me veo así de bien? Mientras BfL sería la chava tímida y rara que siempre se ha vestido y escuchado así, Gaga sería la que la imita y se vuelve más popular por ello, la hipster. Creo también que comparándolas musicalmente, Gaga sería la David Bowie de la época glam, brillante pero demasiado enfocada en la estética, mientras que BfL sería parte innegable de New Weird America, de no ser por que es británica, músicos haciendo su propia cosa simple y sencillamente porque sí.

Por último, he de confesar que aparte de "Poker Face", no puedo decir que haya alguna otra canción o video de Gaga que me guste (aunque muy a mi pesar me he descubierto tarareando "Just Dance"), mientras que podría pasarme todo el día viendo y escuchando "Prescilla", "What's a Girl to Do?" (probablemente mi video favorito de todos los mencionados) y "Pearl's Dream" (que junto con "Daniel" me hizo decidir escribir algo sobre Gaga y BfL juntas en vez de por separado).

Carajo, es lo que he estado haciendo.

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OK, I have a confession to make. It doesn't matter how much this may hurt my indie cred, I must get this out of my chest. I love "Poker Face". Actually no, I find the song decent and its first minute nothing short of brilliant. Same deal with its video, with everything regarding Lady Gaga, all dressed in black, with a disco-ball Venetian mask, coming out of a pool between Great Danes, as purely aesthetic. If there's anything I like and look for in the visual arts: it's aesthetics. And all this between that disgustingly catchy "mah-mah-mah-mah-MAH" and that memorable synthline.

I find Lady Gaga herself quite interesting as well. Her career began when she was quite young doing artistic exhibits with her partner Lady Starlight in the midst of the NY scene, where they would mix irony with creativity and sexuality and more than just a little bit of mocking for the music and artists that inspired them. I'd say that's a definitely more interesting origin that the Mickey Mouse Club or the fucking Disney Channel. Not to mention that now that she's acquired her undeniable status as icon and spearhead of pop, she handles her career in an incredibly ambiguous way, as I don't have the slightest clue whether her image of an over-sexualized blonde (fake, of course) chick who thinks "fashion is all" is really an act, irony, mockery, for real, an undecipherable mixture of all the former or none at all.

Now, Bat for Lashes is the artistic name of Briton Natasha Kahn, born six years after Gaga and one of the indie scene's new queens. Admired by Thom Yorke, M.I.A. and Björk, with two albums in her career already, 2006's "Fur and Gold" and 2009's "Two Suns". Basically, she's one of those new artists that Pitchfork is all up on, which lead to putting her on my list of artists to check out like three months ago and then completely forgot about. That's until today that I searched for her on YouTube and heard "Daniel" for the first time.

I think this may seem a pretty weird entry so far, two completely unrelated artists's biographies, along with random comments and opinions on both their careers. I used to feel the same way, in that there couldn't possibly be any relation between the two of them. That was, of course, until I heard "Daniel" as this song is, to me, all the good things "Poker Face" is, with none of the bad. In summary, "Daniel" is my perfect pop song and in an ideal world, Bat for Lashes would be the perfect popstar. But, this world being what it is, you'll hear Lady Gaga in absolutely all clubs absolutely all nights while you might hear some Bat for Lashes in Mixup (popular Mexican record store) if, say, all the employees have stopped paying attention to what's being played on the speaker system or on MTV if the guy in charge of programming all those realities falls asleep.

However, I'm not saying Bat for Lashes is intrinsically better than Lady Gaga, at least not personality-wise, although musically yes, I'd say she is, a little. Although you know, she's had more experience at this whole, um, being alive deal. I find the way they contrast and complement each other in the music scene quite funny and interesting, specially in their "female solo popstar" niche. They're both on the opposite ends of the irony spectrum (a possibly circular spectrum that has no opposite ends), where BfL embraces the variant where there's a point you're so out of fashion you're actually in, Gaga is at the point where who gives a shit if I can't see through these shades and this stalagmite-studded dress limits my every move, if I look this good? While BfL is the shy, weird girl that's always dressed and sounded like that, Gaga is the one that starts imitating her and becomes more popular because of it, the hipster. I'd also say, comparing them musically, Gaga would be David Bowie in his glam days, brilliant, but a tad too into the aesthetics, while BfL would undeniably be a part of New Weird America, except she isn't because she's British, a bunch of musicians doing their own thing just because.

Finally, I must confess that, other than "Poker Face", there's no Lady Gaga song or video I can stand (although, much to my own chagrin, I HAVE found myself humming "Just Dance"), while I could easily spend all day listening to and watching "Prescilla", "What's a Girl to Do?" (probably my favorite video out of all those mentioned) and "Pearl's Dream" (which, along with "Daniel", lead me into doing this entry on both Lady Gaga and Bat for Lashes, rather than doing them separately).

Fuck, it's what I've been doing.

"Fleet Foxes"

2009-06-20T15:09:00.000-07:00

Hace apenas poco más de un año que el debut homónimo de Fleet Foxes vió la luz y es soprendente la velocidad con la que se volvió uno de los discos favoritos de la escena indie en los últimos años, así como una presencia recurrente en listas de mejores álbumes y canciones del 2008. Fleet Foxes se formó alrededor de 2006 en Seattle por el vocalista/letrista Robin Pecknold y el guitarrista Skyer Skjelset, quienes compartían un gusto general por los artistas clásicos norteamericanos: Bob Dylan, los músicos soul y r&b de la disquera Motown, Brian Wilson (y por ende The Beach Boys), Neil Young, etc. Sobre todo, su gusto común parecía enfocarse hacia el pop, las melodías, el folclor, la música sencilla y que se escuchara bien.

Todas estas influencias están innegablemente presentes en este álbum. Entre letras que cuentan las historias de padres, madres, hermanos y hermanas, "en algún lugar sobre o cerca de Tennessee", entre imágenes de paisajes de los Apalaches y su típica flora y fauna (animal y humana), Fleet Foxes se muestra como una banda de temática genuina. Entre canciones pegajosas de arreglos sencillos y armonizaciones vocales, la banda canaliza igualmente a The Beach Boys como a The Supremes (más blancos y masculinos, claro).

Sin embargo, no todo es guitarra y coritos de "doo-woop" en la música de Fleet Foxes. "Blue Ridge Mountains", mi canción favorita del disco, tiene un arreglo en base a mandolina bastante bueno e inusual. "White Winter Hymnal" es puritito Beach Boys, si en vez de californianos fueran de la costa este. "He Doesn't Know Why" es de sus pocos intentos de pasar del espectro del pop al del rock, un buen esfuerzo, pero hay que admitir que su lugar parece estar más entre la armonía que entre el ruido. "Tiger Mountain Peasant Song" es algo oscura y hasta tenebrosa. "Quiet Houses" probablemente sea su canción más pegajosa.

Para cerrar, este genial video de "Mykonos", parte de un EP anterior a este disco, pero que igual quiero incluir porque es un gran video y probablemente mi segunda canción favorita de estos grandes músicos.

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It's been little over a year since Fleet Foxes's debut LP saw the light and it's impressive just how fastly did it become one of the indie scene's favorite albums of the last years, as well as a recurring presence in lists of the best albums and songs of 2008. Fleet Foxes was founded around 2006 in Seattle by lyricist/vocalist Robin Pecknold and guitarist Skyer Skjelset, who shared a general liking for classic North American artists: Bob Dylan, the r&b and soul stars of the Motown label, Brian Wilson (and thus the rest of The Beach Boys), Neil Young, etc. Specially, their common taste seemed to focus on pop, melodies, folklore, simple and nice-sounding music.

All these influences are undeniably present on this album. Amongst lyrics telling stories of fathers, mothers, brothers and sisters, "somewhere over near Tennessee", along with their imagery of the Appalachians and its flora and fauna (human and animal alike), Fleet Foxes shows itself as a frankly genuine band. Amongst catchy songs with simple arrangements and vocal harmonies, the band channels The Beach Boys and The Supremes (whiter and maler, but still) alike.

Yet, it's not all sparse guitars and "doo-woop" choruses in Fleet Foxes's music. "Blue Ridge Mountains", my favorite track off the album, was a fairly unusual, fantastic mandolin-based arrangement. "White Winter Hymnal" is pure Beach Boys, if rather than Californian, they'd been from the Eastern Coast. "He Doesn't Know Why" is one of their few tries to go from the pop end of the spectrum to the rock one and, while a damn good effort, it must be said that it seems their place is more between harmonies than between noise. "Tiger Mountain Peasant Song" is dark and scary even. "Quiet Houses" is probably their catchiest song.

Finally, this great video for "Mykonos", which is in an earlier EP by the band, but I still wanted to put in as it's a great video and this song is probably my second favorite by these great musicians.

"LeBaron EP"

2009-06-18T10:50:00.000-07:00

OK, vamos a intentar algo nuevo esta vez. Esta reseña no ha de pasar de las 100 palabras. Empiezo a contar después de este párrafo. No debe ser demasiado difícil, considerando que el disco a reseñar es un simple EP de 6 canciones. Otra cosa, no habrá datos más que la banda es mexicana y el EP es su debut homónimo de 2007, de aquí en adelante es pura opinión.

"Inmóvil", el sencillo y la canción que los puso en Reactor y en nuestros oídos. Pop/rock elegante, sencillo, nada pretencioso. Las letras de "Soldado John" ya le tiran a algo un poco más profundo y la canción ya varía más en sus tiempos, parece dos o tres canciones distintas pegadas al azar. Funciona. "El Vértigo del Desprendimiento" es light. Algo olvidable, letras "sicodélicas". "Exilio" justifica las comparaciones que se hacen de la banda con Zoé y Soda Stereo. Influencias rock clásico y britpop. "Segunda Vuelta", véase "El Vértigo del Desprendimiento", letras irónicamente deprimentes. "Inmóvil (Acústica)", tan buena como la original.

¡Ja! Exactamente 100.

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OK, trying something new here. This review will not go over the 100-words mark (not counting cultural clarifications in parenthesis). Counting begins after this paragraph. Shouldn't be too hard, considering it's a simple 6-song EP. Also, no facts other than the following: band is Mexican, album is their eponymous 2007 debut EP, it's all opinion after this point.

"Inmóvil" (Immobile) is the single and the song that put them on Reactor (Mexican alternative radio station, amongst the most important, based on Mexico City) and in our ears. Fancy, simple, unpretentious pop/rock. The lyrics for "Soldado John" (Soldier John) aim for deeper themes and the song features some tempo variations and seems two or three songs randomly stuck together. It works. "El Vértigo del Desprendimiento" (The Vertigo of Letting Go) is light. Somewhat forgettable, "psychedelic" lyrics. "Exilio" (Exile) justifies the comparisons usually made between the band and Zoé and Soda Stereo (pop/rock bands from Mexico and Argentina, most popular in the 00s and late 80s/early 90s respectively), influences from classic rock and britpop. "Segunda Vuelta" (Second Go), see "El Vértigo del Desprendimiento", ironically depressing lyrics. "Inmóvil (Acoustic)", as good as the original.

94, not too bad.

"Mogwai Young Team"

2009-06-13T15:25:00.001-07:00

El año era 1997. Una banda escocesa sacaría a la luz "Mogwai Young Team", su álbum debut en la vena del llamado post-rock. Como la mayoría del post-rock, la música de esta banda de nombre Mogwai, es principalmente instrumental, de duración bastante más larga que la canción promedio y enfocada en intentar crear los llamados "paisajes sonoros". Personalmente creo que el post-rock y la música progresiva son primos bastante cercanos, con la diferencia de que el primero tiene mayor aversión a las vocales, a la instrumentación extraña o cuasi-sinfónica, a los álbumes conceptuales y a organizar sus discos en "movimientos" y demás cosas de la tradición clásica que el segundo.

En los once años que han transcurrido desde el lanzamiento del disco, este indudablemente ya se ha hecho de su lugar en la historia como el favorito de la banda a nivel crítico (a pesar de que su grabación fuera, en palabras de la banda misma, "un jodido desastre" y que estos consideraran el producto final como tal) y como omnipresente en prácticamente cualquier lista de los mejores discos de la década pasada. De hecho, en México, la versión más fácil de conseguir es la re-edición de 2008 con un disco adicional de b-sides y canciones en vivo, lanzado en nuestro país por Noiselab (bendito seas tú Héctor Mijangos y tu gran compañía).

El disco es primordialmente instrumental, aunque en canciones como "Yes! I Am a Long Way From Home" y "Tracy" incluyen sampleos de voces que funcionan como sonidos encontrados, como un instrumento más. Solo "R U Still in 2 It" realmente incluye letras y vocales. Como otros discos enfocados a crear paisajes sonoros, "Mogwai Young Team" se escucha como una especie de muestrario de emociones, aunque estos escoceses tienen un espectro emocional un poco más limitado. El disco en general se revela como una oda a la desesperanza, a la nostalgia, a todos esos sentimientos que se parecen a la depresión pero que rara vez llevan a alguien al suicidio. Asimismo, hay un poco de esquizofrenia en "With Portfolio" y, cómo no, un poco de belleza. Algo tétrica y amenazante, pero belleza al fin, en mis dos canciones favoritas del disco: "Katrien" y la incomparablemente épica (16 minutos en la versión del disco, ¡16!, tan épica que YouTube solo la tiene en dos partes) "Mogwai Fear Satan", que cierra el disco con absoluto broche de oro.

Respecto a "Mogwai Fear Satan" y la importancia que tiene para mí esta canción, solo puedo escribirlo en base a una anécdota. Debe haber sido hace unos dos o tres años. Diría que estaba en una de esas etapas en las que no sabía qué hacer con mi vida, pero llevo en esa etapa desde que tengo memoria. Lo que sí es que todavía era en esos tiempos en los que tenía un iPod. Pues estaba en la casa de Pachuca, era fin de semana y no tenía nada que hacer (para variar), así que me salí con el iPod al jardín, me tumbé en el piso, dejé que ese típico sol desértico de Pachuca en verano me secara los barros de la cara, y me puse a escuchar música mientras mi perra me lamía las manos hasta aburrirse e irse a dormir.

Estoy bastante seguro que "Mogwai Fear Satan" fue la primera que salió al prenderlo. La escuché ahí tumbado con los ojos cerrados apuntando al sol (por lo cual todo se veía rojo y a veces verde en vez de negro, como es común si cierras los ojos) un minuto y luego volteé a ver el iPod, vi que faltaban quince minutos completitos así que sencillamente sonreí y me volví a tumbar. Aquí vale la pena aclarar un par de cosas. La primera es que nunca había escuchado la canción completa, la bajé por casualidad y sabía que era de las más largas que tenía en mi colección entonces, pero nunca junté la suficiente fuerza de voluntad para oírla completa, menos de un jalón. La segunda es que ya me he clasificado como una persona distraída, esto no es mi imaginación ni una percepción errónea de mí mismo, realmente soy distraído. Tanto así que (al menos entonces) me era casi imposible escuchar un disco completo y de hecho nunca escuchaba más de dos canciones del mismo artista porque me acababa hartando (REPRODUCCIÓN. ALEATORIA. CADA. VEZ.).

Considerando esto, y a excepción de ese rápido vistazo que le eché al iPod, me pasé la totalidad de la canción ahí tirado, sintiendo el sol, con los ojos cerrados, pensando en nada más que en lo que estaba escuchando. Quizá exagere un poco o no me acuerde tan bien, pero estoy bastante seguro de que ni siquiera me pasó por la mente una palabra, simple y sencillamente escuché. No me dormí, no dormité, mi conciencia no cambió ni siquiera un poquito. Y esos 16 minutos fueron, sin lugar a duda, de las experiencias musicales más poderosas de mi vida. Hey, de hecho probablemente sea la más poderosa que no involucrara ver y oír al artista en vivo.

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The year was 1997. A Scottish band was about to release "Mogwai Young Team", their debut album in the vein of what's commonly known as post-rock. Like most post-rock, this band called Mogwai's music is mostly instrumental, with songs rather longer than average and focused on trying to create those known as "sonic landscapes". I personally think post-rock and progressive music are close cousins, with the difference that the first seems to show more aversion towards vocals, weird or near-symphonic instrumentation, concept albums and the tendency to organize their music into "movements" and other cues taken from the classical music tradition than the second.

It's been eleven years since the record was originally released, period in which it has already earnt itself a spot as the band's most critically-acclaimed (even if in the band's own words, its recording and the final result were "total disasters") and as ever-present on lists of the last decade's best records. Actually, in Mexico, the version you'll find the easiest is the 2008 re-edit with an additional album of b-sides and live tracks, released in our country by Noiselab (god bless thee, Héctor Mijangos and your awesome company!).

The album is mostly instrumental, although tracks like "Yes! I Am a Long Way From Home" and "Tracy" include vocal samples that work as found sound, an additional instrument. Only "R U Still in 2 It" includes real vocals and lyrics. Like other albums focused on creating sonic landscapes, "Mogwai Young Team" seems at times like an emotional sampler, although this Scotsmen have a slightly more limited emotional spectrum. In general, the album reveals itself as an ode to nostalgia, despair, all those feelings that are a lot like depression but rarely lead anyone into suicide. Likewise, we can find some schizophrenia on "With Portfolio" and, why not?, some beauty even. Tetric, somewhat threatening beauty, but beauty nonetheless on my two favorite two tracks off the album: "Katrien" and the insurmountably epic (16 minutes for the album version, 16!, so epic YouTube's only got it in two parts) "Mogwai Fear Satan", the album's magnificent closer.

Regarding "Mogwai Fear Satan" and how important this song is to me, I can only relate with anecdotal evidence. Must've been two or three years ago. I'd say it was one of those points where I had no clue what I was doing with my life, but I've been at that point for as long as I remember. I DO know it was back on the days when I still had an iPod. Anyway, I was at the house in Pachuca, it was a weekend and (for a change) I'd nothing to do, so I went out to the backyard with the iPod in tow, laid down on the floor, let the typical desertic sun of summers in Pachuca dry the zits on my face while my dog licked my hands until it got bored and went to sleep.

I'm pretty sure "Mogwai Fear Satan" was the first track to pop-up on the playlist. I listened there, lying on the floor with my eyes closed and pointing at the sun (which made everything look red and sometimes green rather than black, as is common when you close your eyes) for a minute to then turn at the iPod and find out there were still over 15 minutes of song to go, so I just smiled to myself and decided to lie down again. I think this is a good point to get a couple things straight. The first is that I'd never heard the song entire, I downloaded by chance and I was aware it was one of the longest tracks on my collection then, but I never gathered enough willpower to listen to it completely, specially not on a single go. The second is that I've called myself distracted before, this is not my imagination or an erroneous perception of myself, I AM FUCKING EASY TO DISTRACT. At least enough for me to (back then, at least) be pretty much unable to listen to an entire album, hell, I pretty much never heard more than two song by the same artist as this made me tired of them (RANDOM. PLAYLIST. EVERY. TIME.).

With this in mind, and with the exception of that little glance at the iPod, I spent the entirety of the song lying there, eyes closed, feeling the sun and thinking of nothing other than what I was listening. I may be exaggerating or may not remember it that well, but I'm pretty sure not a single word crossed my mind as I simply listened. I didn't fall asleep, I didn't drowse off, my conscience didn't change even a bit. And those 16 minutes were, without a doubt, amongst the most powerful music experiences of my life. Hey, it was probably the most powerful that didn't involve hearing or seeing the performer live.

"Ga Ga Ga Ga Ga"

2009-06-11T18:24:00.000-07:00

Spoon fue creada en Austin, Texas en 1993, por el fortuito encuentro del vocalista Britt Daniel y el baterista Jim Eno. Casi desde su concepción se marcaron como una banda un poco fuera de los estatutos y cánones comerciales, pero de indudable originalidad y potencial crítico. "Ga Ga Ga Ga Ga" de 2007 es su sexto LP, y el más exitoso hasta la fecha, tanto comercial como críticamente.

Hay que decir sobre Spoon, que con los poco más de 15 años que llevan a sus espaldas, ya son una de esas bandas predilectas de los círculos indie/alternativos. En pocas palabras, son de esas bandas que prácticamente nadie conoce pero los que sí estamos locos por ellos. La banda describe su música simplemente como "rock n' roll", lo que en su propia opinión los pone más cerca de, digamos Elvis y The Beatles que de Pink Floyd y The Doors. Lo que sí hay que decir de su sonido es que sí tiende a ser un poco más limpio, claro y carente de ruido de distorsión que el de la mayoría de bandas que caen en el relativamente más simple apelativo de "rock".

Y la influencias que Spoon toma en este disco de los antepasados del rock y rock n' roll por igual no podrían estar más claras que en el título (y un poco en el sonido) de "Rhthm & Soul". De todo el disco probablemente sea solo "The Ghost of You Lingers" que es distintamente cacofónica y poco bailable. Sin duda alguna, también es la mejor, con su paranoica, tétrica y fantástica introducción que después te das cuenta no es solo la introducción, sino que toda la canción se escucha igual, y luego las partes a dos voces y el coro indescifrable y ¿se nota que me gusta esta canción?

El primer sencillo del disco fue nada más y nada menos que "The Underdog", quizá la canción que mejor representa el sonido de todo el disco, con sus trompetas tipo mariachi y la claridad de la voz de Daniel y su ritmo que innegablemente llama al movimiento. Escuchando otras canciones como "My Little Japanese Cigarette Case", nuevas verdades de la banda se vuelven aparentes. La primera es su fantástico manejo de la guitarra. La segunda, y muy conectada a la primera, especialmente en esa canción, es la capacidad que tienen de mezclar géneros e influencias dispares en un sonido que sin embargo es totalmente suyo (y esto lo digo por el momento de flamenco que tiene la canción justo en el medio).

Una última canción digna de mencionarse aquí por su genialidad es "Finer Feelings", de la cual solo diré: escúchala. Y este video para "Don't You Evah" también tiene su lugar aquí, pero hay que verlo para saber porqué.

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Spoon was funded in Austin, Texas in 1993, due to the casual acquaintance of vocalist Britt Daniel and drummer Jim Eno. Pretty much since their conception they were a band apart from the commercial canons and status, but undeniably original and dear to the critics. 2007's "Ga Ga Ga Ga Ga" is their sixth LP and their most commercially and critically succesful yet.

It must be said about Spoon, that with little over 15 years under their belt, they have already become one of those favorite bands in the indie/alternative music circles. Which simply means that pretty much no one knows them, but those of us that do are pretty nuts about them. The band describes its music as "rock n' roll", which in their own opinion puts them somewhere closer to Elvis and The Beatles than to, say Pink Floyd and The Doors. What must also be said about their sound is that it IS somewhat cleaner, clearer and noise-and-distortion-free-er than that of most bands simply labeled as "rock".

And the influences Spoon draw from the forefathers of rock and rock n' roll alike couldn't be clearer tha on the title (and in the sound too, somewhat) of "Rhthm & Soul". Out of the whole record it's probably only "The Ghost of You Lingers" that's distinctly cacophonic and undanceable. Undoubtedly, it's also the best, with its paranoic, tetric and fantastic introduction that makes you realize it's not just the introduction, but rather the way the shole song sounds like, and then there's the parts with the two voices and the undechiperable chorus and can you tell I just love this song?

The album's first single was none other than "The Underdog", the song that probably represents the entire album's sound the best, with its mariachi-like trumpets, Daniel's voice's clarity and its rhythm that undeniably calls you to move it. With other songs like "My Little Japanese Cigarette Case", different truths about the band become obvious. The first is their fantastic guitar-work. The second, quite related to the first, in that song specially, is their ability to mix mismatched genres and influences into a sound that's still completely theirs (and this is brought up due to the little flamenco moment right in the middle of that song).

A last song worthy of mention due to its genius is "Finer Feelings", of which I can only say: listen to it. And this video for "Don't You Evah", that's also earnt its spot here, although you have to see it to know why.

"Mirrored"

2009-06-10T11:28:00.000-07:00

Los nuestros son tiempos extraños, si consideramos que existe tal cosa como el math rock. El rock para muchos debería ser lo más opuesto a las matemáticas posible. Desordenado, revuelto, enérgico, impulsivo y definitivamente ilógico. Un montón de gringos a finales de los 80s y principios de los 90s no creyeron esto, y decidieron poner a buen uso sus inconclusas carreras en física y actuaria y hacer algo de provecho con sus vidas: tocar.

De entre las bandas pioneras de este movimiento, probablemente la que mejor definiera el sonido del math rock como tal fuera Don Caballero, de Pittsburgh, fundada en 1991 y activa de 1993 a 2000. En su música se notan a todas luces las características del math rock: estructuras arrítmicas, ritmos super-estructurados, asincronía, tiempos extraños y una sensación bastante curiosa de ritmo, basada en silencios, disonancias y hasta un poco de cacofonía (como todo buen rock).

El movimiento resurgiría, como toda corriente alternativa y ruidosa de décadas pasadas (especialmente 80s y 90s considerando la capacidad de olvidar lo no-inmediato de nuestra generación) a principios y mediados de los 00s, agazapado con la mayoría de la música innovadora, original y buena de esta década, bajo el universal, ambiguo y cómodo nombre de indie. Entre las bandas que surgirían en este momento, se encuentran Minus the Bear (con un acercamiento un poco más pop al math rock que otras, como se aprecia en "Knights" y "Pachuca Sunrise", videos definitivamente dignos de ver), Foals (más bailable, electrónico y británico y de quien solo mostraré "Olympic Airways" y "Cassius" ya que he de escribir de ellos solos en alguna ocasión) y claro, la banda estadounidense cuyo debut "Mirrored", de 2007, me llevó a escribir esta entrada, Battles.

Considerados los "más artísticos" de esta nueva oleada del math rock, Battles se caracteriza por canciones bastante más largas y estructuradas que las de sus contemporáneos, por ejemplo sus dos fantásticos sencillos, "Atlas" y "Tonto" que en sus versiones de álbum duran más de siete minutos. Ambas se mueven constantemente entre temas e instrumentación, lo que les da un aire como de movimientos de música clásica o progresiva. Asimismo, en ambas canciones se destaca otra de las características únicas de esta banda, los a la vez familiares y extraños sampleos de voz realizados por el integrante Tyondai Braxton, lo más semejante que cualquiera de sus canciones pueda tener a un coro o una parte que puedas cantar.

A pesar de escucharse como música extraña o que necesitas estar en un humor muy específico (totalmente loco, por ejemplo) para disfrutar, una de las características más especiales de Battles es lo genuinamente accesible que es su música. Si bien consiste de puros ruidos matemáticos de 4/4 y 3/4 y demás mamadas que a nadie le interesan y lo primero que cualquiera hace al descubrir lo que es un micrófono y lo que se puede hacer con él, la música de Battles es bastante fácil de apreciar y de que hasta se te quede en la cabeza, aunque nunca logres averiguar cómo tararearla realmente.

Por último, este video de "Ddiamondd" que ni es el video original ni tiene nada que ver con nada y por eso me gustó y decidí meterlo aquí y "Leyendecker", que con su reminiscencia de algo tipo soul/hip-hop demuestra a la perfección lo que digo respecto a la accesibilidad de la banda.

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Ours are weird times, considering there is such a thing as math rock. To some, rock should be the absolute opposite to all math is. Disorganized, messed, energic, impulsive and most definitely illogic. Some U. S. folk in the late 80s and early 90s disagreed, and decided to do something about their unfinished physics and math majors and do something worthy with their lifes on the way: they decided to play.

Amongst the pioneers to this movement, it was probably the Pittsburgh-based Don Caballero, funded in 1991, active 1993-2000, that defined its sound the best. In their music, the distinctive sound of math rock is clearly identified: arrhytmic structures, super-structured rhythms, asynchrony, odd tempos and pretty curious notion of rhythm, based on silence, dissonance and even a modicum of cacophony (as all good rock).

The movement would see a resurrection, as all alternative and noisy music currents of the last decades (80s and 90s specially, considering our generation's ability to forget all that isn't immediate) in the early and mid-00s, thrown along with most innovative, original and good music of the decade, under the universal, ambiguous and comfortable name of indie. Amongst the bands that would be born at this time we can find Minus the Bear (with a slightly poppier approach to math rock than others, as can be appreciated in "Knights" and "Pachuca Sunrise", awesome videos by the way), Foals (more danceable, electronic and British and for whom I'll only link to "Olympic Airways" and "Cassius", as they shall get their own entry here sooner or later) and of course, the U. S. band whose 2007 debut, "Mirrored", got me into writing this, Battles.

Considered the "most artistic" out of this new wave of math rock, Battles are characterized by longer, more-structured songs than most their contemporaries, as can be appreciated in their singles "Atlas" and "Tonto", whose album versions are well over the seven-minute mark. They both move constantly between themes and instrumentation, which grants them an air similar to that of the movements in classical or progressive music. Likewise, both songs showcase another of this band's most unique characteristics, the at-the-same-time familiar and alien voice samples done by bandmember Tyondai Braxton, the closest any of their songs has to a chorus or sing-along part.

Despite sounding like strange music, or music that requires a very specific mood or mindset (totally fucking insane, for example) to enjoy, another special characteristic of Battles is just how accessible their music is. While it may be made entirely out of 4/4 and 3/4 signatures and other mathasseries no one gives a crap about and that which everyone makes as soon as they find out what a microphone is and what can be done with it, Battles's music is quite easy to appreciate and to get caught in your head, although you'll never find out how to hum it right.

Finally, this video for "Ddiamondd" that isn't the original and has nothing to do with anything else which is why I liked it and decided to stick it here and "Leyendecker", whose style reminiscent of soul/hip-hop perfectly illustrates what I said earlier about the band's accessibility.

Hayao Miyazaki

2009-05-27T18:08:00.001-07:00

Tomas mitología y folclor japonés, le añades un poco de feminismo, bastante ambientalismo, pacifismo y un toque para crear fluidez cinematográfica que hará que directores de animación del calibre de Brad Bird, Satoshi Kon y hay que decirlo de una vez, prácticamente todos los que vinieron después de ti, te consideren una de sus más grandes influencias, y acabas con la que sólo puede ser la filmografía de Hayao Miyazaki, indudable maestro de la animación y genio del cine.

He de ser honesto, a pesar de mis mejores intenciones, hasta ahora sólo he podido ver cuatro ejemplos de la ejemplar filmografía de este que honestamente es de mis directores favoritos. Estas son "Nausicaä del Valle del Viento" de 1984, "Princesa Mononoke" de 1997, "El Viaje de Chihiro" de 2001 y "El Castillo Vagabundo" de 2004. Todas especiales, únicas y fantásticas a su manera.

Primero hay que notar los temas comunes. A Miyazaki le encantan la heroínas y las villanas; los protagonistas jóvenes (aunque juega bastante con esto en "El Castillo Vagabundo"); los paisajes verdes, bellos y naturales; las batallas entre el hombre y la naturaleza y el hombre contra el hombre, y en las que la única solución es el equilibrio y la paz; los elementos mitológicos, fusión del extenso folclor y mitología de Japón con uno que otro detalle occidental o de otra parte de Asia y bastante de su propia creación; los movimientos de cámara fluidos, dinámicos y que te dejan boquiabierto (uno de los mejores puntos a favor de la animación contra la acción real, que esta es limitada por la física y los límites de lo posible, mientras que en la primera, no hay tales límites), especialmente sus ya-características escenas de vuelo y claro, la música de su compositor de elección, Joe Hisaishi.

De las películas suyas que he visto, sólo "Mononoke" no tiene a una mujer como protagonista. El protagonista es Ashitaka, un joven príncipe de una aldea pacífica y en armonía con la naturaleza que se ve infectado por un hechizo de los espíritus de la naturaleza, iracundos por lo que el ser humano le está haciendo al mundo. Ashitaka debe encontrar la cura al hechizo antes de que le mate. Noble, dadivoso, comprensible, sacrificado, Ashitaka es casi el héroe perfecto, pero (y este es otro de los punto más brillantes de Miyazaki) en este mundo no hay blancos ni negros, así que Ashitaka cambia de bandos entre los que digamos serían el de la naturaleza y el del hombre.

El del hombre es liderado por Eboshi, una ambiciosa pionera del hierro que demuestra piedad y amor adoptando chicas de burdeles y dándoles trabajo honrado, pero que no parece tener mucho respeto a la naturaleza o a sus mismos dioses. El de la naturaleza es representado por Shishigami, el Dios Ciervo; los violentos e impulsivos jabalíes, liderados por el enorme Okkoto; los brutales y simples simios; los lobos, liderados por la enorme loba Moro, y su hija adoptiva humana, San, la mismísima Princesa Mononoke, y objeto del interés romántico de Ashitaka, y por último, los fascinantemente originales y simpaticos kodamas. El reino humano es el más cercano a Ashitaka, pero el natural representa bastante para él también, y no es sólo por San, por lo que defiende a uno y otro por igual sin decidirse por un solo lado, y esperando que al final todo se solucione de la mejor manera posible, la más pacífica.

"Mononoke", "Nausicaä" y "El Viaje de Chihiro" tienen como base central el tema del ambientalismo. En "Nausicaä", trás una guerra entre humanos, partes significantes del mundo han quedado sumergidas en nubes de esporas tóxicas donde solo respirar es mortal. En "Chihiro", la protagonista debe trabajar en la versión fantástica de los típicos balnearios/baños de vapor japoneses donde conoce al espíritu de un río, que se ha vuelto un "espíritu apestoso", criatura asquerosa y sucia, gracias a los desperdicios que le han sido arrojados a través del tiempo, incluyendo una bicicleta. En "Mononoke" el tema está clarísimo entre los hombres explotando el hierro y el bosque intentando defenderse de la terrible amenaza que estos posan.

Nuevamente "Mononoke" y "Nausicaä", pero esta vez incluyendo a "El Castillo Vagabundo" (su única adaptación, de la novela homónima de la británica Diana Wynne Jones), también son claras advertencias en contra de la violencia y la luchas entre los hombres, dónde los personajes centrales se presentan como héroes, no por pelear ciegamente de un sólo lado de la batalla, sino por tener el coraje de pedir a ambas partes que reconsideren sus diferencias y se den cuenta que la violencia sólo genera destrucción.

Por último, "Mononoke", "Chihiro" y "Castillo" también tienen una característica común, los personajes principales son ayudados en su misión por seres humanos con características sobrenaturales (aunque a veces parezca más bien al revés) y por quienes desarrollan cierto aprecio y hasta un poco de romance. Chihiro tiene al dragón/espíritu de río Haku. Sophie al hechicero emplumado Howl. Sólo en "Mononoke" los géneros se revierten y Ashitaka tiene a la princesa lobo San.

Los filmes de Miyazaki deben de ser vistos siempre con una mentalidad abierta, comprensión hacia el hecho de que muchos de sus elementos pertenecen a una cultura distinta, disponibilidad para volverse a ver y encontrarles nuevos significados a cada re-vista (y vaya que puedes verlos una y otra vez de maneras distintas) y, quizá lo más importante, ganas de subirte a un tremendo viajesote.

Viajesote de los buenos.

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Take some Japanese folklore and mythology, some feminism, quite a bit of environmentalism, pacifism and a touch for cinematic motion and flow that will lead animation directors of the caliber of Brad Bird, Satoshi Kon and, why not, pretty much all that came after you one of their biggest influences, and the end result could only possibly be the filmography of Hayao Miyazaki, undeniable master of animation and true genius of cinema.

I must be honest, despite my best efforts, I've only been able to see four examples from this, one of my favorite, director's filmography. These have been 1984's "Nausicaä of the Valley of the Wind", 1997's "Princess Mononoke", 2001's "Spirited Away" and 2004's "Howl's Moving Castle". All of them special, fantastic and unique in their own ways.

First, let's got over the common themes. Miyazaki likes heroines and female villains; young protagonists (although he kinda plays with this on "Howl's Moving Castle); green, natural and beautiful landscapes; struggles between man and nature, and man versus man, where the only real solution is in balance and peace; mythological elements, fusion of Japanese folklore and mythology with some tidbits from the West and elsewhere in Asia and quite a few of his own creations; flowing, mouth-dropping camera movement (one of the greatest pluses from animation to live-action, as this is limited by physics and the possible, while the first well, isn't), specially his characteristic flight scenes and, of course, music from his go-to composer, Joe Hisaishi.

Out of these movies, only "Mononoke" doesn't star a female character. The lead is Ashitaka, a young prince from a little town at peace with nature who suddenly finds himself cursed by the spirits of nature, enraged at what men is doing to the world. Ashitaka must find a cure for the curse before it kills himc. Noble, caring, sacrificed, comprehensible, Ashitaka is pretty much a textbook hero but (and this is one of Miyazaki's greatest strengths as well), there's no black and white in this world, so Ashitaka finds himself switching sides between, let's say, nature's and man's sides.

Man's is lead by Lady Eboshi, an ambitious iron pioneer that tends to show mercy and compassion by adopting girls from brothels and giving them honest work, but who seems to lack respect towards nature or even its gods themselves. Nature's is represented by Shishigami, the Deer God; the violent, impulsive boars lead by the enormous Okkoto; the brutal, simple apes; the wolves, lead by the huge female Moro, and her surrogate daughter, human San, the Princess Mononoke herself and object of Ashitaka's romantic interests and, finally, the fascinatingly original and loveable kodamas. While the human kingdom might be closest to Ashitaka, he still holds interest on the natural one, and not just thanks to San, which is why he defends one and the other pretty much the same, all while trying to get it all to work out the peacefully best way.

"Mononoke", "Nausicaä" and "Spirited Away" hold environmentalism as their core themes. In "Nausicaä", following a human war, significant portions of the world have been engulfed by clouds of toxic spores where mere breathing is deadly. In "Spirited", the main character finds herself working on a fantastic take on a typical Japanese bathhouse, where she meets a river's spirit, turned into a "Stink Spirit" thanks to all the debris thrown to its causeway over the years, including a bicycle. In "Mononoke" the theme's quite clear with men exploiting iron and the forest trying to defend itself from their terrible threat.

Once again, "Mononoke" and "Nausicaä", but including "Howl's Moving Castle" (his only adaptation, of the eponymous novel by British author Diane Wynne Jones) now also work as clear warnings against violence and fighting amongst men and where the main characters are heroes, not for fighting blindly on one side to the bitter end, but for having the courage to stand up and ask both side to think over their differences and realize that violence only leads to destruction.

Finally, "Mononoke", "Spirited" and "Moving Castle" share the common characteristic of having the main character be aided in their mission by human beings with supernatural characteristic (although sometimes it seems more like the other way around), for whom appreciation and even some romance is developed. Chihiro gets the dragon/river spirit Haku. Sophie gets the feathered sorcerer Howl. Only in "Mononoke" are the genders reversed and Ashitaka gets wolf princess San.

Miyazaki's films ought to be approached with an open mind, understanding of the fact that some of their elements are rooted in a very different culture, willingness to rewatch them and find them new meanings each time (and they sure can be rewatched over and over with different reading each time) and, perhaps the most important, desire for going on one hell of a trip.

One hell of a good trip.

"Youth"

2009-05-18T15:15:00.000-07:00

He de confesar que me gusta la globalización, especialmente la cultural. Sí, hay muchos problemas inherentes a esta, la pérdida de ciertas características culturales, la estandarización, simplificación y malinterpretación de las costumbres, la uniformidad, etc. Pero, creo que hasta la fecha al menos, los problemas ni siquiera son la mitad de graves de lo que mucha gente los hace parecer. Y el lado positivo está en discos como "Youth", el segundo esfuerzo del estadounidense Matisyahu.

Primero, una pequeña presentación de Matisyahu. Nativo y oriundo de Pennsylvania y bautizado Matthew Miller, su nombre artístico es la versión hebrea de su nombre y él es un judío jasídico de pies a cabeza, y es su religión y gente lo que conforma la temática principal de su música. ¿Y dónde entra la globalización cultural? En el hecho de que es un estadounidense, cantando en un estilo musical de orígen jamaiquino historias sobre y en relación al pueblo israelí.

Pero si bien lo primero que destaca de Matisyahu es la temática de su música y, porqué no decirlo de una vez, el mismo Matisyahu, estos no son los únicos puntos fuertes de este artista. A pesar de ser a todas luces, reggae, la música de Matisyahu evita el que, a mi parecer, es el mayor defecto de este género, la repetitividad. Esto es gracias a que mezcla el reggae con un poco de rock, un poco de rap, un poco de su (no muy bueno, pero interesante) beatboxing y hasta un poco de formas musicales de las tradiciones judías.

Sin embargo, la mayor fortaleza de Matisyahu son, sin duda, sus letras. En "Late Night in Zion" declara abiertamente "un hombre es sólo un hombre | lleno de fallas y debilidad" y "somos el reflejo de la imperfección | venimos del infinito lugar de la limitación". Luego, en "Jerusalem" sale la temática judía en su expresión más pura del disco, tocando la fundación del estado de Israel ("tres mil años sin un lugar dónde estar ... ¿qué no ves? que no se trata de la tierra ni el mar | ni del país, sino del hogar de Su Majestad") y hasta el Holocausto ("han pasado los años, sesenta más o menos | nos quemaron en los hornos en este siglo | con gas nos intentaron ahogar pero no me pudieron ahogar a mí"). Y así hasta en el tema titular del disco, "Youth", sorprendentemente asertivo y hasta agresivo, donde en una letra que es a partes iguales denuncia, reclamo, llamado a la batalla y tributo a la juventud misma, Matisyahu brilla aún con letras no directamente relacionadas a su fé ("joven, el control está en tu mano | azota el puño en la mesa y haz tu petición | haz la lucha | enciende la llama del fuego de la juventud").

En fin, para muchos Matisyahu no es más que un gimmick. Un artista de reggae que ganó notoriedad no por la calidad de su música, sino por ser judío, ortodoxo y serio practicante. Personalmente creo que llamar gimmick a cualquiera que escriba y haga del reggae algo tan variado como él no puede ser una crítica más fallida.

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I must confess I'm kind of into globalization, specially the cultural one. Sure, it's not without its inherent problems, like the loss of certain cultural traits, the standarization, simplification and misinterpretation of customs, uniformity, etc. But I think, so far, these problems are not nearly half as bad as many people make them out to be. And the positive side of globalization can be seen in Matisyahu's sophomore effort, "Youth".

First, a little introduction on Matisyahu. Born in Pennsylvania, birthname Matthew Miller, decided to use the Hebrew version of his name as his stage one, a hasidic jew from head to toe, whose main lyrical and thematic concern is his people and beliefs. Where does cultural globalization fit into the Matisyahu equation? Where this is a U.S. artist, playing an originally Jamaican music with themes pertaining the state of Israel.

While the first impression on Matisyhau may come from his thematic choice and, let's say it already, Matisyahu himself, these are not the artist's stronger points. Despite being seemingly true and through reggae, Matisyahu's music distances itself quite a way from this music's most unaccesible characteristic, repetitiveness. This thanks to his mixing of rock, rap, some of his (not too good, but interesting nonetheless) beatboxing and even a couple of musical forms lifted straight out Jewish tradition.

Howeverm Matisyahu's greatest strength is undoubtedly lyrical. On "Late Night in Zion" he openly declares "a man is just a man | filled with faults and weakness" and that "we're the reflection of imperfection | we come from the infinite place of limitation". Then, in "Jerusalem", the Jewish themes are presented in their clearest form, touching subjects such as the founding of Israel ("three thousand years with no place to be ... don't you see it's not about the land or the sea | not the country, but the dwelling of His Majesty") and even the Holocaust ("years have gone by, about sixty | burn in the oven in this century | and the gas tried to choke, but they couldn't choke me"). And so it goes until the title track, "Youth", a surprisingly assertive and even somewhat aggressive, equal parts claim, battlecry, wake-up call and tribute to youth itself, where Matisyahu shines even with lyrics that don't directly relate to his faith ("slam your fist on the table, make your demand | take a stand | light a fire for the flame of the youth").

Anyway, to many, Matisyahu is no more than a gimmick. A reggae artist that gained notoriety not on musical quality, but on being a practicing Orthodox Jew. I personally think that calling anyone who writes and can turn reggae into such a varied music form a gimmick, is quite the failed criticism.

Eastwood y la redención. - Eastwood and redemption.

2009-04-24T19:40:00.000-07:00

Clint Eastwood es de esas figuras que pertenecen al cine y que pueden decir que, al menos hasta cierto punto, el cine también les pertenece. Su primer gran huella en la historia del séptimo arte se dió gracias a la fortuita casualidad de que Sergio Leone lo escogiera como el protagonista, el Hombre Sin Nombre, de su Trilogía Dólares ("Por un Puñado de Dólares" del 64, "Por Unos Dólares Más" del 65 y "El Bueno, El Malo y El Feo" del 66). Desde ese momento en que se le retrató como un cazarecompensas frío, estoico y de muy pocas palabras en el Viejo Oeste estadounidense, Eastwood y el personaje se volvieron íconos, el intérprete tan importante como el papel, de la hombría desde el punto de vista del cine de la época y del anti-héroe fallido y gris del spaghetti western.

Luego vendría el Eastwood como gran cabrón de cabrones de los 70s, Harry Callahan, el Sucio. Un policía que juega por sus propias reglas, que a pesar de ya no tener lugar en la fuerza por sus métodos brutales y fuera de la norma. Después sucedieron otras cosas e Eastwood decidió cruzarse al lado oscuro de la cámara y empezar la que, a mi modo de ver, sería la parte de su carrera más influyente y positiva para el cine, Eastwood: director.

Su primer trabajo como tal fue en "Play Misty for Me" del 71. Pero de las que se centran en la redención, y de las que estaré hablando son "Los Imperdonables" del 92, "Río Místico" del 03, "Golpes del Destino" del 04 y "Gran Torino" del 08 (aunque lanzada en México hasta abril del 09).

"Los Imperdonables" se distingue, en primer lugar, por su relación con el papel icónico de Eastwood como El Hombre Sin Nombre. Un anti-western de primera, donde la violencia se destaca como la única solución, no porque sea la mejor, sino porque no se conoce otra. A la misma en ningún momento se le glorifica o se le pinta con aire de heroismo, de hecho, el personaje de Eastwood aparece ya como quizá el mismo Hombre Sin Nombre, bastante envejecido y francamente hastiado de tanta violencia. En medio de este ambiente, se encuentra la redención, aunque sea solo la personal.

Eastwood está ausente de "Río Místico", pero sus personajes son también representativos de ese ideal de su filmografía: el de los personajes con errores a cuestas, intentando hallar el perdón por los mismos en cualquier lugar posible, decepcionados con el hecho de no poder encontrarlo en donde más se esperaría (la fé, la familia, la amistad).

Regresa para "Golpes del Destino" donde su nuevo personaje icónico haría su debut. ¿El nombre del personaje? "Viejo cascarrabias y terco que aprende una lección gracias a un protegido joven que le recuerda a él mismo y que usa para suplir las relaciones que nunca tuvo con sus hijos".

Y creías que "El Hombre Sin Nombre" era demasiado largo.

En "Gran Torino", Eastwood es el personaje antes mencionado pero en vez de box hay muscle cars e insultos raciales.

Ahora, claro, me parece que hay que señalar que el tema central de todas estas películas y, por lo tanto, uno de los temas de la filmografía de Eastwood, es la redención. Las cuatro películas se destacan por tener como protagonistas a personajes con pasados algo brumosos, marcados por errores que sólo quieren dejar atrás. En todas se ven obligados a enfrentar el error en sus vidas actuales gracias a algún factor. En "Golpes del Destino" es la boxeadora terca que quiere ser entrenada por Eastwood sin importar qué. En "Gran Torino", el francamente inútil vecino asiático.

Sus hijos en "Gran Torino" son egoístas y convenencieros, mientras que la de "Golpes de Destino" está sencillamente ausente. En ambas (y en "Río Místico" también si no mal recuerdo) también aparece otro personaje medio común de la filmografía de Eastwood: el padre católico irlandés.

Probablemente relacionado con personajes de la propia vida del cineasta, este personaje siempre se muestra en una posición opuesta a la del personaje de Eastwood, que gusta de burlarse del mismo. Los padres siempre buscan a Eastwood, para hacer que hable con ellos o para afirmarle su fé en declive. Aunque, al final de ambas películas, se implica que, al menos hasta cierto punto, ambos padres tenían la razón, pero el personaje de Eastwood simple y sencillamente hace lo que hace porque tiene que.

En ese sentido, la redención para Eastwood solo se encuentra en dos lugares. El primero es el sacrificio. En "Los Imperdonables" y "Gran Torino", este es total (y magníficamente opuesto), mientras que en "Golpes del Destino", es principalmente de la estabilidad psicológica y emocional .

El segundo es el perdón. Un perdón muy cristiano, y que se muestra como la solución ideal, y por lo tanto, la que no va a pasar.
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Clint Eastwood is one of those figures that belong to cinema and can, to a certain extent, say that cinema belongs to them as well. His first big legacy in the history of the seventh art came from the sheer coincidence of being chosen by Sergio Leone to star as the protagonist, the Man With No Name of his Dollars Trilogy ("For a Fistful of Dollars" '64, "For a Few Dollars More" '65 and "The Good, the Bad and the Ugly" '66). From that moment, when he came to portray a cold, stoic, silent U.S. Old West gunslinger, Eastwood and his character acquired iconic status, the actor as important as the role itself, as a symbol of its time's views on manhood and as the typical failed, grey anti-hero of the spaghetti western.

Afterwards, we'd get Eastwood as the true, utter asskicker of the 70s, Dirty Harry Callahan. As a loose-cannon cop, playing by his own rules, and still in the force's payroll due the fact that, dammit, he's still the only one that gets things done. A lot of other things happened later and Eastwood found himself on the dark side of the camera and began what, to me at least, would be his most influent and important career in film, Eastwood: director.

His first job as such came with "Play Misty for Me" from 1971. But those focusing on redemption and, as such, the ones to be discussed here, will be 92's "Unforgiven", 03's "Mystic River", 04's "Million-Dollar Baby" and 08's (released in Mexico in April '09, though) "Gran Torino".

"Unforgiven" is distinguished, first of all, due to its relation with Eastwood's iconic role as the Man With No Name. A true-and-through anti-western, where violence is highlighted as the only solution to all of life's problems, not because it's the best, but because it's the only one known to all. Violence itself is never glorified or seen with airs of heroism, in fact, Eastwood's character is perhaps the older version of the Man With No Name himself, now completely sick of a life of violence. In the middle of this, redemption, at least on a personal level, can be found.

While Eastwood is nowhere to be found on "Mystic River", this film showcases his ideals as well on its characters: flawed and burdened with the mistakes of their past, looking for forgiveness, but not finding it even where it's supposed to be (with your family, faith, friendships).

He's back in "Million Dollar Baby", where his new iconic character debuted. The character? "Grumpy, stubborn old man that learns a lesson thanks to a young protegé that reminds him of himself and that he uses to make up for the relationships he doesn't have with his offspring".

And you thought "The Man With No Name" was too long.

In "Gran Torino", Eastwood revives the character, but instead of boxing, we have muscle cars and racial insults.

Of course, now's the time to point the central theme in all these films, and thus one of the main ones in all of Eastwood's filmography: redemption. All fours movies are distinguished by the presence of characters with blurry pasts, with mistakes they only wish to leave behind. Yet, in all, they're forced to face their past mistakes thanks to some external factor. In "Million Dollar Baby", it's the boxer, wanting to be trained by Eastwood no matter what. In "Gran Torino", it's the frankly useless Asian neighbor.

Eastwood's children in "Gran Torino" are selfish and only look after their own interests, while his daughter in "Million Dollar Baby" shines for her absence. Both (and also "Mystic River" if I'm not mistaken) also feature the presence of another Eastwood staple character: the Irish Catholic padre.

Probably related to characters in the filmmaker's life, this character will always show as a contrast to Eastwood's, who'll always mock him. The padre actively tries to get closer to Eastwood, whether it's to get him to restablish his faith, or just for talking. Although, by the end of both movies, the padre is shown to be at least somewhat right, but Eastwood's character does what he does simply because he has to.

In that sense, redemption for Eastwood can only be found in two places. The first is sacrifice, from the total (yet magnifically opposite) ones in "Gran Torino" and "Unforgiven" to the emotional and psychological one of "Million Dollar Baby".

The second is forgiveness. A good, Christian forgiveness is always shown as the only right way and, as such, the impossible way.

"Delorean"

2009-04-23T16:41:00.000-07:00

En algún lugar de finales de los 90s y comienzos de los 00s, en algún punto del País Vasco, surgió una banda representativa de la mejor música bailable de nuestros tiempos, esa banda es Delorean. Esa música es el dance punk.

En 2003 yo me estaba graduando de la secundaria y dos discos estaban siendo grabados, en España y Estados Unidos respectivamente. Poco más de un año después, una noche de insomnio viendo MTV como a las dos de la mañana (cuando MTV aún pasaba buena música, aunque sólo fuera a las dos de la mañana, que ya ni eso) escucharía una canción de cada álbum, que cambiarían mi gusto musical para siempre (quizá no fueron seguidas, igual y ni siquiera la misma noche, pero definitivamente las escuché en la misma época). La primera fue "Float On" de Modest Mouse, de la cual hablaré en su momento, ya que Modest Mouse es probablemente la banda de quién más tengo qué decir. Obvio considerando que es la que más he escuchado desde 2006. La segunda fue "Los Muertos" de Delorean. Ambas me hicieron darme cuenta de lo limitado que era mi gusto musical y me llevaron a redescubrir el gusto de escuchar y descubrir música nueva y diferente.

En fin, fue solo hasta 2008, ya viviendo en el D.F., que un día finalmente me compré el disco homónimo de la banda vasca. Gran idea.

Yo me había quedado medio embobado con "Los Muertos" y un par de canciones que había logrado bajar, pero me esperaba un disco entero de guitarras hipnotizantes y medio oscuras, teclados que harían que hasta The Organ y Ray Manzarek se sintieran orgullosos, y baterías monótonas pero oh tan incitantes a mover los pies y el resto del cuerpo.

Aparte de la ya mencionada "Los Muertos", en el álbum se destaca la increíble "The Nightlamps", que se volvería una de mis canciones más escuchadas en mis primeros meses en Playa, y que es una de esas canciones que cada vez que escucho le encuentro algo nuevo. Es sorprendente la cantidad de capas que tiene, lo bien que funcionan juntas y lo impresionantes que son si las llegas a aislar. La metronomía de la batería, el ritmo del teclado, la armonía entre las guitarras y el bajo, y el intermitente efecto de distorsión.

"Renegades", es un poco más sencilla y en vez de llamarte a moverte como un pinche loco por todos lados, más bien te incita sólo agitar la cabeza un poco y hacer el típico bailecito indie que sólo quién haya ido a un concierto indie no-acústico conoce. "NYCGaps" es probablemente la más accesible de sus canciones. El resto del disco es casi tan bueno.

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Somewhere in the late 90s/early 00s, at some point in the Basque Country, a band that would be one of the greatest representatives of our times' most danceable music came to be. The band is Delorean. The music is dance punk.

It was 2003 and I was graduating from middle school while two albums were being recorded in Spain and U.S. respectively. Shortly over a year afterward, on an insomniac night while watching MTV at two AM (back when MTV at least had some good music at two AM, which they don't even have anymore) I would hear a song off each album, and they would change my musical taste forever (OK, so maybe I didn't hear them both that same night, but it was definitely around the same time). The first was Modest Mouse's "Float On", which I will discuss in due time, as if there's one band I have quite a bit to write about, that's Modest Mouse. Kinda obvious, considering they're my most heard band since 2006. The second was "Los Muertos" (The Dead Ones) by Delorean. They both made me realize the limitations of my music taste and lead me to rediscover the joy of listening to new, different music.

Anyway, it wasn't until 2008, when I was finally living in Mexico City that I finally bought the Basque band's eponymous album. That was a good idea.

I had gotten rather stuck with "Los Muertos" and a couple more songs I'd managed to download, an entire album of hypnotizing dark guitars, synth lines that would even make The Organ and Ray Manzarek proud and monotonous yet oh so exciting drums that incite you to move your feet and the rest of your body so.

Aside from the already-mentioned "Los Muertos", the album's other highlight is the amazing "The Nightlamps", one of my most-heard songs in my first months in Playa, and one of those songs that, everytime I listen to it, I seem to find something new. It's particularly amazing how layered the song is, and how this layers work so well together, and how awesome they are if you get to isolate them. The drums' metronomy, the keyboard's rhythm, the guitars and bass's harmony and the intermitent distortion effect.

"Renegades", is somewhat simpler, and rather than call you out to move like a freaking maniac, it incites you to bang your head and do the typical indie dance that anyone that's ever been to a non-acoustic indie gig knows. "NYCGaps" is probably their most accessible song. The rest of the album's just as good.

"Mermaid Sashimi"

2009-04-20T19:18:00.000-07:00

Fue a principios de año, en la que creo que fue mi última escapada de "compra impulsiva de discos" a Cancún, que me encontré la portada vista arriba, de un sashimi color verde Fabuloso y un collar de perlas y esas palabras que, honestamente, hasta se ven bonitas juntas: "Mermaid Sashimi | Juan Son". Al ver el disco, este me causó varias impresiones. "Vaya, no está nada caro". "Qué pinche portada tan loca, y qué chido título". "A ver, a ver, espera, ¡ay no mames, el pinche vocal de Porter ya sacó disco solista! ¿tan pronto?". Y es que por aquél entonces aún no contaba con internet disponible a diario, así que la noticia de la separación definitiva de Porter me llegó sólo a finales de 2008, para cuando ya era medio vieja. El hecho de que mi siguiente contacto con la noticia fuera ver el disco solista del vocal en Mixup, ya todo empacadito y en la madre esa de la entrada donde siempre echan las "novedades" y más vendidos como si ahí hubiera estado siempre, como que me sacó de onda.

Bueno, el chiste es que lo compré, no sin cierta renuencia, considerando que a). Porter fue una mis bandas favoritas mexicanas favoritas de todos los tiempos, algo logrado a base de sólo un EP y un LP (claro, el primero tenía "Espiral", la primera canción mexicana realmente indie que había escuchado, y el segundo, "Cuervos" y "Bailando con mi Virginidad" que, he de insistir, fueron de las 10 mejores canciones lanzadas en todo 2007) y que b). me pareció muy poco el tiempo entre la separación de la banda y que el antes conocido como Mussgo ya anduviera con sus nuevos amigotes sacando discos a lo buey (algo así como la pareja que rompe después de una relación de años y a la semana uno ya anda como si nada con alguien más). Afortunadamente, a Juan Son no le faltó ni el tiempo ni el talento necesarios para sacar el discazo que es "Mermaid Sashimi".

Saquemos las comparaciones entre este trabajo y lo que hizo con Porter de una buena vez. Si bien MM tiene canciones en promedio más estructuradas y largas que las de cualquier disco de Porter, la estructuras en general son bastante similares. Algo así como el break en "Espiral" o "Take Me Out" de Franz Ferdinand, donde, a mitad de la canción, esta de la nada se convierte en otra totalmente distinta (aunque en MM es mucho más común, como "Captain Whirlpool" que fácilmente está hecha como de 3 canciones). La recurrencia de leitmotifs también está presente, como en "Atemahawke" de Porter, donde el tema de "Este Cosmos" se escucha al final de "Xoloitzcuintle Chicloso" y en MM donde "Marianela" no es sino la versión instrumental/sinfónica de "Nada". La mezcla casi inconciente de letras en español e inglés. Las temáticas de las letras: una muchacha de nombre Ana Paula, viajes espaciales, maullidos, doctores y hasta la pinche urofagia de "Vaquero Galáctico" regresa en "Goldfish" y nos hace pensar si Juan Son no pertenecerá al ese como culto de bebe-orines de Shaya Michán.

Pero hasta ahí llegan las comparaciones. Porque, aunque cueste admitirlo, al oír este disco es evidente que Juan Son estaba limitado en Porter. Ya sin banda realmente independiente y sin la presión que esta podría implicar, ha decidido darle rienda suelta a la hilacha de sus debrayes mentales y musicales. "Mermaid Sashimi" es innegablemente más electrónico (en ese sentido, discúlpenme la comparación aquellos que les encanta ofenderse por pendejadas, este disco sería el "The Eraser" al Thom Yorke tapatío), más experimental (tanto en "The Remains" como en el principio de "Captain Whirlpool" hay pequeños interludios musicales conformados por sonidos modificados de lo que parecen ser un foco rompiéndose, un envoltorio de comida estrujado y una sandía destruida con un bat) y más ecléctico (las primeras veces que lo escuché me pareció una mamada lo que leí en este promocional donde decían que la influencia de las bandas sonoras de Disney y eso, pero mientras más lo escucho, más evidente me parece que esas influencias están ahí, como en el final de desfile en Disneylandia de "Captain Whirlpool" y el ambiente tipo jazz de "Los Aristogatos" en los intermedios de "Toma Esta Menta") de lo que Porter jamás llegó a hacer.

De igual manera, sus letras ya se sienten más liberadas y por lo tanto, mucho más absurdas y juguetonas. En fin, lo cierto es que me cuesta trabajo creer que aún el más acérrimo y sentido fan de Porter no pueda encontrar siquiera un poco de consuelo en el hecho de que, si bien Porter ya no es más, su mayor talento y su parte más musicalmente activa, sigue viva y definitivamente sin decaer.

Juan Son - "Mermaid Sashimi"

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It was early in the year, in which I believe was my latest impulsive record-buying spree in Cancún that I found the album cover shown above, picturing a house-detergent-green sashimi, a pearl necklace, and those words that, honestly, even look pretty together: "Mermaid Sashimi | Juan Son". When I saw the record, it formed a number of thoughts in my head. "Well, this isn't very expensive". "That's a freaking crazy cover and such a cool title". "Wait, what? holy shit! Porter's vocalist has released a solo album? so soon?". And it's because, this happened back when I didn't have daily access to the internet, and had thus found out about Porter's breakup until late 2008, and by then it was old news. So yeah, I was kinda weirded out when my next contact with the news was seeing the vocalist's solo album on the record store, all packed up and thrown in the novelties section like it'd always been there.

Anyway, thing is, I bought it, not without a certain sense of reluctance as a). Porter was one of my favorite Mexican bands ever, something they build on a single EP and a single LP (sure, the first included "Espiral" (Spiral), the first truly indie Mexican song I heard, and the second, "Cuervos" (Crows) and "Bailando con mi Virginidad" (Dancing With My Virginity), which I insist, where amongst the 10 best songs released in 2007) and b). it was just too short a time between the band's breakup and when the formerly known as Mussgo saw himself playing with his new friends as if nothing has happened (kind of when a couple breaks up a years-long relationship and within the week one of them's dating again). Fortunately, Juan Son didn't lack the time nor the talent necessary to come up with an album as great as "Mermaid Sashimi".

Let's get the comparisons between this album and all the work done by Porter out of the way once and for all. While MM's songs might be averagely more structured and longer than those in of any Porter's album, the structures are quite similar. Something like in "Espiral" or Franz Ferdinand's "Take Me Out" where, halfway through its length, the song breaks and becomes a completely different one out of nowhere (although this is more common in MM, where, for example, "Captain Whirlpool" is easily made out of at least 3 songs). The recurrence of leitmotifs is also present as in Porter's "Atemahawke", where the theme to "Este Cosmos" (This Cosmos) is heard at the end of "Xoloitzcuintle Chicloso" (Bubblegum-Like Mexican Hairless) and on MM where "Marianela" is simply the instrumental/symphonic version of "Nada" (Nothing). The unconscious mixture of Spanish and English lyrics. The lyrical themes: a girl called Ana Paula, space travel, meows, doctors and even "Vaquero Galáctico" (Galactic Cowboy)'s urophagia makes a comeback in "Goldfish".

But that's the end of the comparisons. As painful as admitting it may be, it must be said that Juan Son was obviously limited as part of Porter. Without a really independent band and the pressure bestowed by it, he has decided to let his musical and mental fantasies go unbridled. "Mermaid Sashimi" is more electronic (and as such it is, those easily offended by stupid shit will have to forgive me for this, "The Eraser" to this Thom Yorke of Guadalajara), more experimental (both "The Remains" and the beggining to "Captain Whirlpool" contain snippets of the heavily-modified sounds of a food wrapping being crushed, a lightbulb breaking and a watermelon being wrecked with a bat) and more eclectic (first times I heard it I thought this ad, where the influence of Disney soundtracks on the album is mentioned, was bullshit, but the more I listen to it, the more evident these influences become, like on the Disneyland parade ending to "Captain Whirlpool" and "The Aristocats"'s jazzy ambiance on "Toma Esta Menta" (Take This Mint)) than anything Porter ever did.

Likewise, his lyrics feel freer and thus, more playful and absurd now. Anyway, truth be told, I'd find it difficult to believe even the most heartfelt, close-minded fan of Porter would not find at least some comfort in knowing that, even if Porter is no more, its greatest talent and most musically-active element is still quite alive and well.

Juan Son - "Mermaid Sashimi"

Historias hospitalarias - Stories in hospitality

2009-04-02T09:15:00.000-07:00

Bueno, primero lo primero. Actualmente trabajo de recepcionista en un hotel de 5 estrellas y casi mil habitaciones en algún lugar de la Riviera Maya. El trabajo es relativamente sencillo, pero puede dar lugar a bastante stress.

En primera, simple y sencillamente por el tamaño del lugar. A todo el equipo de recepción nos toca medio organizar los más de novecientos cuartos y recibir a los más de dos mil huéspedes que llenan el hotel cuando estamos al menos a 90% de ocupación, lo que ha sido constante desde poco antes que empezara el año hasta hoy.

En segunda, porque si hay cosas con las que uno no se mete son el dinero y las vacaciones. Nosotros nos metemos con ambas todo el tiempo y la norma es llevarte un disgusto, una decepción o una discusión fuerte con un huésped a diario.

En tercera, lidiar con todos los idiomas y las peticiones extrañas y la gente en general.

Pero claro, como todo buen trabajo en el que estás en contacto tan directo con clientes, por cada disgusto, por cada pelea y por cada vez que te piden a gritos que traigas al manager, hay una historia que te alegra el día un poco. También hay historias que no te hacen sentir ni lo uno ni lo otro, pero igual vale la pena contar. Ese es el caso de la historia de ayer.

Trabajamos con una agencia de viajes italiana relativamente informal. Cuando digo "relativamente informal" me refiero a que mi imagen mental de su oficina es un delirio de papeles volando; olor a ajo y parmesano; gritos aleatorios de "va fan culo", "filio di putina", "porca misseria", "¡mamma mia!" y esto:

repetido infinitamente.

Es constante que nos manden clientes que no cupieron en otros hoteles al nuestro sin mandarnos información sobre quiénes son, qué hacen ahí y, lo más importante, por lo general mandan a los clientes antes de mandar el dinero con el que pagarán su estancia con nosotros. Una vez hicieron que los huéspedes se quedaran una semana extra porque no tenían aviones para regresarlos a Italia. En medio de plena crisis. Muchos considerarían esto una bendición. Un montón de italianos que no saben si dentro de otra semana aún tendrán un trabajo esperándolos en casa estarían en desacuerdo.

Pero la de ayer ha sido la maniobra más brutal de esta agencia hasta ahora. Un día después de haber metido a su grupo más grande del año al hotel, la agencia decide no mandar el pago por las estancias. Así que en un juego de "los pagas tú o los pago yo" entre el hotel y la agencia, se decidió que lo más lógico sería "que lo pague el huésped". Así que todos los huéspedes recibieron una carta en sus habitaciones, en medio de sus únicas vacaciones del año, pagadas desde mucho antes, explicándoles que si no pagaban no podrían quedarse más en el hotel.

Creo que aquí vale la pena recordar que todos estos huéspedes son italianos.

Por suerte, tanto la jefa de Relaciones Públicas del hotel como nuestra supervisora en recepción son italianas así que al menor indicio de un huésped con cara de mafioso encabronado y un sobre con el logo del hotel arrugado en la mano, el resto de los recepcionistas rápidamente íbamos con cualquiera de las dos para que se encargara del asunto mientras nosotros argumentamos "io no parlo italiano, io messicano" y levantábamos las manos en gesto de inocencia.

Luego llega el representante de la agencia y es genial como, de un momento a otro, los italianos le empiezan a rodear y el tipo, bastante alto hasta para ser italiano, se destaca como una cabeza flotando en medio de pieles rojas, cabellos rubios y playeras polo con el cuello levantado.

Pero a fin de cuentas, el rep salió bastante poco lastimado y los huéspedes relativamente calmados con la promesa de que, para hoy, la agencia habrá resuelto todo y ellos no pagarán ni un euro de más.

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OK, so first things first. I currently work as a front desk worker at a 5-star, almost a thousand rooms hotel somewhere in the Riviera Maya. The job's relatively easy, but it can give way to quite a bit of stress.

First, due to the sheer size of the place. The whole front desk team is in charge of kind of making sense of the more than nine hundred rooms and receiving the more than two thousands guests that the hotel houses when we're at at least 90% occupation, which we've constantly been at since shortly before the year began.

Second, because if there's things you don't mess with it's money and holidays. We mess with both all the time and the norm is at least one discussion, one verbal fight or one disappointment with a guest a day.

Third, because you ahve to deal with all the languages, odd requests and all the people in general.

But of course, as is the case with all jobs involving such a contact with the customers, for every fight, every disgust, every time you're screamed "get me your manager" at, there's one story that makes your day. There are also stories that don't involve either feeling but are still worth telling. Like yesterday's.

We work with this rather informal Italian travel agency. When I say "rather informal", I mean that my mental image of their headquarters is of a garlic-and-parmesan-smelling mess of papers flying everywhere, all to the sound of random shouts of "va fan culo", "porca misseria", "filio di putina", "mamma mia!" and this:

repeated ad infinitum.

They constantly send us guests they couldn't fit in other hotels before sending us info on who they are, where they come from and, most importantly, before sending the payment of their stay. They once made their clients stay in the resort one additional week because there were no planes to get them back to Italy. In the middle of the economic crisis. Some might consider this a blessing. A bunch of Italians that have no idea if there'll be a job waiting for them back home would strongly disagree.

But yesterday's has been this agency's most brutal move yet. Just a day after sending us their largest group of the year, they decide not to send the payment for all of their stays. So in a "do you pay for it, or do I pay for it?" tug-of-war between the agency and the resort, it was decided that the most logical solution would be "let the guests pay for it". So, in the middle of their paid a long time ago, probably single vacation of the year, the guests received a letter in their rooms explaining that if their stay wasn't paid for, they could no longer stay in the resort.

I feel this is a good point to remember that all the guests are Italian.

Fortunately, both the resort's P. R. chief and our front desk supervisor are Italian, so at the first sign of a pissed-off mafioso face and a wrinkled envelope with the resort's logo on it on someone's hand, we would immediately go to either one of them to solve the issue while we lifted our palms in a gesture of innocence and endlessly repeated "io no parlo italiano, io messicano".

Then the agency's rep shows up and, since he's quite tall even for an Italian, suddenly shows up as nothing but a face floating amidst a sea of red skins, blonde heads and polo shirts with popped-up collars.

But, at the end of the day, the rep came out relatively unscathed, and the guests relatively calm with the agency's promise that by today, everything would be fixed and they wouldn't have to pay a single extra euro.

"Before the Dawn Heals Us"

2009-03-29T15:16:00.000-07:00

Creo que debo empezar esto aclarando una palabra que va a estar bastante presente en esta reseña y que creo que no mucha gente conoce, porque mucha gente es normal y no se pone a buscar géneros musicales en Wikipedia cuando no hay nada mejor que hacer. En fin, la palabra es shoegazing, que literalmente significa algo así como "ver tus zapatos muuuy atentamente", y que es una especie de subgénero del rock que surgió a finales de los 80s y que quedó definido en su totalidad en el álbum "Loveless" de My Bloody Valentine en 1991. "Loveless" y el shoegazing, se definen por un sonido muy dependiente en el ruido. Crear distorsiones, resonancias y demás experimentos para llegar al punto máximo del shoegazing: la pared de ruido. Así que shoegazing es eso, rock relativamente despreocupado de escucharse bien y más bien interesado en crear desmadre. Entre sus otros exponentes se encuentran Asobi Seksu, Silversun Pickups, hasta cierto punto Sonic Youth, etc.

Y claro, M83.

Tengo que decir que lo que "Loveless" logró para el shoegazing en los 90s, M83 lo hizo por el mismo en los 2000s, quizá un poco menos definidamente, considerando que "Before the Dawn Heals Us" sólo fue lanzado en 2005. Mientras "Loveless" revivía la idea del punk de utilizar la música como herramienta para ventilar enojos e ira, "Dawn Heals Us" se enfocó más a utilizar el ruido netamente electrónico de estos hijos de Daft Punk (probablemente la mayor influencia en lo que ya se puede llamar una escena de música electrónica francesa netamente distinta a la de otros países) para crear, más que paredes, paisajes sonoros. La frase de paisaje sonoro se ha utilizado en incontables ocasiones para describir toda esa música que a los críticos les encanta ponerle post- al principio (post-rock, post-punk, post-electronica, post-folk, post-psicodelia, post-polkamariachi), y en este caso no le queda mal el saco a M83, que con toda facilidad pueden ser los precursores del post-shoegazing.

Empecemos con unos cuantos datos. M83 inició en algún lugar de ensueño de la Francia actual con el fatídico encuentro de Nicolas Fromageau y Anthony González. En 2001 sacaron su début homónimo y en 2003 el, basándome en lo que he escuchado, también genial "Dead Cities, Red Seas & Lost Ghosts" (Ciudades Muertas, Mares Rojos y Fantasmas Perdidos). Esto coloca a "Dawn Heals Us" como el tercero en su cronología, y último antes de que Fromageau dejara el grupo (algo que, cuando reseñe "Saturdays = Youth" de 2008, admitiré que no afectó demasiado la calidad de la música de Gonzalez). Inevitablemente, he de contrastar "Loveless" y "Dawn" una última vez. El primero fue ruido y experimentación, rock e ira, en el segundo queda algo del ruido, y toda la ira (en algunas canciones, claro), pero sólo lo más mínimo posible del rock. M83 se destaca de prácticamente cualquier otro conjunto de shoegazing por el hecho de tocar música primordialmente electrónica, lo cual constituye su más grande punto a favor.

Ahora, "Dawn Heals Us" como tal se siente casi como un muestrario de emociones y paisajes. Por ejemplo, mi favorita indiscutible, "Don't Save Us From the Flames" (No nos salven de las llamas), muestra un paisaje sonoro abrumador y francamente pesado, pero curiosamente animoso y vivo (a pesar de que las letras son todo lo contrario, como la icónica "a piece of brain in my hair"(un cacho de sesos en mi cabello)). Luego, la anteriormente mencionada "Lower Your Eyelids to Die With the Sun", sinfónica, "instrumental", etérea, cuasi-divina en su jodida belleza. "Can't Stop" es lo mismo pero con vocales. Con su balance de silencio absoluto/ruido destroza-cráneos, "*" no es nada menos que demencia y algo así como desórden bipolar. Reto a cualquiera a no sacarse de onda y casi cagarse del susto con las letras y la narración de "Car Chase Terror" y a no querer sonreír como niño en dulcería de Disney World con los sonidos de cuetes de "Let Men Burn Stars". Y apenas vamos seis de las quince piezas, casi una hora en total, que conforman este discazo.

En fin, lo más destacable de todo este asunto, me parece que tendría que ser la forma en que la música ha evolucionado para permitir el uso de experimentación y elementos electrónicos sin que a estos se les siga viendo con desdén, y sobre todo, la forma en que los mismos se han reivindicado con artistas como M83 y discos como este, donde los sintetizadores, máquinas de batería y demás son indispensables para crear música de tal belleza y emotividad.

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I guess I should begin this by defining a word that will be showing up in ths review quite a bit and that I think most people don't know, considering most people are relatively normal and don't search music genres on Wikipedia when they've nothing better to do. Anyway, the word is shoegazing, and it's something of a rock subgenre that came to being in the late 80s but was completely defined in 1991 with My Bloody Valentine's album "Loveless". "Loveless" and, by extension, shoegazing itself are defined by their noise-reliant sound. Creating distortion, resonances and such to achieve the ultimate shoegazing feat: a wall of noise. So shoegazing is that, rock that doesn't mind so much about sounding nice, but rather interested in raising hell. Amongst other shoegazing artists are Asobi Seksu, Silversun Pickups and, to a certain degree, Sonic Youth.

Also, M83.

It must be said that what "Loveless" did for shoegazing in the 90s, M83 did for it in the 2000s, perhaps in a less-defining way, considering "Before the Dawn Heals Us" was only released in 2005. While "Loveless" revived the punk ideal of using music as a tool for venting anger and rage, "Dawn Heals Us" focused more on using the electronic sound of this sons of Daft Punk (probably the single greatest influence in what can now definitely be seen as a scene for new French electronic music unlike any other country's) to create, more than walls of noise, sonic landscapes. Sonic landscape seems to be one of those terms that have gained popularity recently, specially in critics' reviews of music labelled post-something (post-rock, post-punk, post-electronica, post-folk, post-psychedelic, post-polkamariachi), but that sort of fits M83 as they could be considered the front figures in post-shoegazing.

Let's begin with some data. M83 was born somewhere in magical, modern-day France, from the fateful encounter of Nicolas Fromageau and Anthony Gonzalez. Their eponymous debut was released in 2001, followed in 2003 by the, from what I've heard, also fantastic "Dead Cities, Red Seas & Lost Ghosts". This puts "Dawn Heals Us" as the third in their chronology and final one before Fromageau left the band (something that in my review for 2008's "Saturdays = Youth", I will admit, didn't seem to do much to affect the quality of Gonzalez's work). Inevitably, I shall compare "Loveless" and "Dawn" one final time. The first was all noise and experimentation, rock and rage, for the second the rage remains untarnished (only on some tracks, however), the noise is still there, but there's only a minimal trace of rock left. M83 sets itself apart prom pretty much all their shoegazing peers by their playing of primordially electronic music, which also happens to be their greatest strength.

Now, "Dawn Heals Us" as such feels like a sampler for emotions and landscpaes. For example, my absolute favorite, "Don't Save Us From the Flames" shows an overwhelming and simply heavy, but curiously lively landscape (despite the clashing lyrics, specially the iconic "a piece of brain in my hair"). Then, the already-mentioned "Lower Your Eyelids to Die With the Sun", symphonic, "instrumental", ethereal, almost divine in its fucking beauty. "Can't Stop" is the same deal but with vocals. With it balance between absolute silence and skull-shattering noise, "*" is nothing but dementia and something of a bipolar disorder. I dare anyone not to be freaked out and not shit themselves in fear with "Car Chase Terror"'s lyrics and narration and to not smile like giddy children in a Disney World candy shop with "Let Men Burn Stars" and its fireworks sounds. And that's only six out of fifteen tracks that constitute this huge fucking album.

Anyway,what is most important in this whole deal is the way in which experimentation and electronic instruments have come such a long way and are no longer seen disdainfully, and specially, the way these have been vindicated at the hands of artists such as M83, for whom synths and drum machines are absolutely necessary in order to create music of so compelling beauty and emotivity.

"¿Quis Custodiet Ipsos Custodes?"

2009-03-20T18:04:00.000-07:00

O "¿Quién vigila a los vigilantes?", frase atribuida al poeta romano Juvenal, y la base del título de la famosísima novela gráfica "Watchmen" (Los Vigilantes) escrita por Alan Moore e ilustrada por Dave Gibbons, y la subsecuente adaptación cinematográfica dirigida por Zach Snyder (tanbién director de la adaptación de cómics, "300").

Empecemos con la novela. Escrita y lanzada por tomos entre 1986 y 87, rápidamente se volvió una obra de culto y reconocimiento mundial. Moore ha planteado y replanteado el propósito de "Watchmen" (nada raro para el que es, a todas luces, un genio loco, dispuesto a rechazar ganancias millonarias, mostrándose renuente a que su trabajo se adapte al cine, escribiendo adaptaciones eróticas de historias de niños clásicas y viéndose así en su propia boda) varias veces a lo largo de los años, pero la constante parece ser la intención de deconstruir el arquetipo del superhéroe con los personajes de y el mundo en que viven. Un mundo atorado en un 1985 de Guerra Fría a punto de estallar entre estadounidenses y soviéticos, de paletas de colores pastel y neón, de vigilantes penados por la ley, de depravación y maldad. Un mundo que sólo se diferencía del nuestro circa 1985 por que Nixon sigue siendo presidente de Estados Unidos, quienes ganaron la guerra de Vietnam y porque es vigilado por desviados sexuales, sociópatas con ideales irreales del bien y el mal, una bomba atómica humana apática, un genio cuasi-deificado y otros sacados del expediente de casos de ensueño/peores pesadillas de un psiquiatra promedio.

Estos personajes son Rorschach, el loco sádico que ve el mundo en blanco y negro y se deleita en erradicar la maldad de raíz en la forma más lenta y dolorosa posible; Nite Owl (Búho Nocturno) II, sucesor del Búho original, heredero de un imperio millonario, aficionado de los aparatejos tecnológicos, de los cuales ha creado varios (cualquier similitud con cierto Hombre-Roedor-Alado es mera coincidencia), con disfraces y hasta un medio de transporte basado en su animal espiritual; Silk Spectre (Espectro de Seda) II, sucesora algo involuntaria de la Espectro original (su propia madre), renuente a utilizar el hecho de ser mujer y sexy para explotar su imagen comercial como lo hizo su predecesora, pero indudablemente fascinada por el aspecto sexual de luchar contra el crimen; The Comedian (El Comediante), cínico y voraz clon de Rambo, "All-American Hero" por excelencia, dotado con la increíble capacidad de reírse de todo, especialmente de los seres humanos a quienes ve como el mejor chsite de la creación; Ozymandias, el hombre más inteligente del mundo, con control absoluto sobre su cuerpo, sus ambiciones, su increíble fortuna y prácticamente todo sobre la tierra a excepción de su ego; y, por último, Dr. Manhattan, el único del grupo con superpoderes reales y que puede ser resumido a la perfección con la cita de la novela: "Dios existe, y es estadounidense".

Es en la caracterización y creación de estos personajes que el genio de Alan Moore brilla en todo en su esplendor. Aún alguien poco aficionado y conocedor de los cómics como yo pudo apreciar, la primera y hasta ahora única vez que leí la novela, que "Watchmen" es el ejemplo perfecto de esas obras que le hacen tributo a su medio usando la sátira y hasta cierto grado, la burla. En casi todos los cómics, los héroes son gente de atributos morales intocables, genios y seres inexorablemente buenos, de quienes el público no duda ni desconfía, sino todo lo contrario. Este no es el caso con "Watchmen", donde ser un héroe enmascarado ya es ilegal, donde desde sus orígenes a los mismos se les ha llamado corruptores de la moralidad, pervertidos sexuales, riesgo para la sociedad, y donde varios atentados los han llevado a ser criaturas en vías de extinción, con Dr. Manhattan y El Comediante como los únicos legalmente en activo y trabajando para el gobierno, y con Rorschach como el único aún vigilando ilegalmente. En fin, en "Watchmen" la deconstrucción de todos los arquetipos de héroes y villanos de cómics están a la orden del día, y todos son abordados con el mismo grado de cinismo, frialdad, análisis psicológico y, claro, admiración. En medio de tanta demencia y desorden psicológico, lo más impresionante pero a la vez predecible es que te sea tan fácil identificarte con todos y cada uno de los personajes de alguna manera u otra.

Y esto es la novela.

La película se diferencia de esta en muchos sentidos, a pesar de ser una de las adaptaciones fílmicas más genuinamente fieles que recuerdo haber visto. En primera, la novela ilustraba hasta cierto punto el presente de cuando fue lanzada al mercado, el terror de la Guerra Fría, la amenaza nuclear, la proliferación de bandas callejeras temáticas, etc. La película, sin embargo, aparece casi 25 años demasiado tarde, por lo cual, sencillamente no puede dejar de ver el mundo de la novela con algo de nostalgia y el peculiar tipo de cariño olvidadizo que esta produce. Los 80s ya no son ese mundo de colores pastel y neón, en nuestra conciencia colectiva, se han venido a convertir en el tiempo de la exageración genial, del mal gusto y, por sobre todas las demás características, de la cultura popular como la suprema. Y es ahí que entra el punto de quiebre entre "Watchmen" novela y "Watchmen" película. La novela es filosofía, es análisis, psicología y deconstrucción. La película es tributo, admiración, simplificación y espectáculo. Donde la novela cuestiona el medio, la película lo celebra y explota. Y esto es claro desde los títulos que probablemente son de los mejores jamás producidos, resumiendo y metiéndonos de lleno al mundo del que formaremos parte las siguientes casi tres horas, donde a pesar de ser el 1985 de otro mundo, Warhol existe y pinta igual (aunque prefiera al primer Búho Nocturno como inspiración sobre, digamos, Marylin Monroe), y los montajes de música popular están al acecho en cada corte (algo que, sorprendentemente me gustó más que a casi todos los otros fans de la novela que sé han visto la película). Desafortunadamente, los brillantemente cinematográficos juegos de luces parpadeantes de la novela brillan por su ausencia en la película (¡oh, la ironía!).

En fin, hay que darle crédito a quien se lo merece. Alan Moore escribió una de las grandes obras de nuestro tiempo, Dave Gibbons fue parte absolutamente integral de esto, Zach Snyder demostró una tenacidad increíble para eventualmente lograr que la causa de sus pasiones tuviera su lugar en la pantalla grande, para adaptar lo inadaptable con minuciosa atención al detalle (tanto en la novela como en la película hay que fijarse en las caritas felices y los relojes, por ejemplo) y salir relativamente bien parado de todo el asunto. En resumidas cuentas, la película vale la pena verla, pero la novela... esa HAY que leerla.

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Or, "Who watches the watchmen?", a phrase attributed to Roman poet Juvenal, and the namesake of the world-reknown, Alan Moore-written, Dave Gibbons-illustrated graphic novel "Watchmen", and the following Zach Snyder-directed film adaptation (he also directed the comics-to-film adaptation of "300").

Let's begin with the novel. Written and periodically released between 1986 and 87, it quickly gained cult status and recognition. Moore has stated and re-stated his intentions in regards to "Watchmen" several times over the years (quite on track for whom is, by all means, a mad genius, considering his propensity to rejecting multi-million dollar revenues for his works' filmic adaptations, his erotic re-imagining of classic children's tales and the fact that he dressed like this for his own wedding), but the constant seems to be that of deconstructing the superhero archetype and that of the world superheroes tend to exist in. This world is one stuck in a Cold War-era, pastel and neon-colored, illegal vigilantism-, evil-and-depravation-heavy eternal 1985. A world only distinguished from our own circa that year by the fact that in it, the U.S. won Vietnam, Nixon is still its president and its vigilantes include sexual perverts, sociopath with unreal standards for good and bad, an apathic human atomic bomb, a god-like genius and several others taken straight out of your average psychiatrist's dream cases/worst nightmares file.

This characters are Rorschach, the crazy sadist with a black-and-white view of the world and that takes pleasure in pulling evil from its roots in the slowest, most painful way possible; Nite Owl II, successor to the original Nite Owl, heir to a billion-dollar empire, techno-gadgets fan and creator (any similarity to a certain Flying-Mammal-Man are mere coincidence), and owner of a costume and vehicle inspired by his spiritual animal; Silk Spectre II, the somewhat-by-force successor to the original Silk Spectre (her own mother), unwilling to follow her mother's steps in exploiting her sex appeal to commercialize her image, yet undoubtedly in touch with every possible sexual aspect of crime-fighting; The Comedian, a cynical, voracious Rambo clone and true "All-American Hero" with the amazing ability to laugh at anything, specially human beings, creation's biggest joke in his eyes; Ozymandias, the smartest man in the world, with absolute control over his body, his ambitions, his massive fortune and pretty much everything on Earth but his own ego; and finally, Dr. Manhattan, the only group member with true superpowers and perfectly resumed with the quote from the novel that states "God exists, and he's American".

It's in these characters' creation and characterization that Moore's genius shines the brightest. Even someone not THAT big on comics as myself was able to appreciate in my first (and so far only) reading of "Watchmen" that it's one of those perfect examples of works that pay tribute to their medium by way of satire and, to a certain degree, some mocking. In comics, heroes are usually beings with untouchable moral attributes, geniuses and simply good people that people never distrust or look down upon, but rather the opposite. Such is not the case with "Watchmen", where masked vigilantes are now outlawed, where, from their very conception, heroes were conceived as sexual perverts, a menace to society, corrupters of morality, and where several attacks have left them a near-extinct species, with Dr. Manhattan and The Comedian as the sole, government-funded still-active heroes and Rorschach as the lone, illegal one. Anyway, "Watchmen"'s deconstructions of comic book heroes and villains abound, all seen with the same degree of coldness, cynicism, psychological analysis and, of course, admiration. Amongst so much madness and psychological messes, the biggest surprise and also the most expected reaction is how easy it is for anyone to identify with all characters at least on some point.

And that's the novel.

The movie differentiates itself in several core aspects, despite being one of the most utterly faithful filmic adaptations that I remember seeing. First of all, the novel illustrated what, to a certain degree, was its present, with the threats of Cold War, nuclear war and themed street gangs all over the place. The movie, however, arrives almost 25 years too late, which means that it jsut can't help seeing the novel's world with a certain degree of nostalgia and its own brand of forgetful appreciation. The 80s are no longer that neon-and-pastel-colored era, and have instead been replaced on our collective conciousness as the time of cool over-the-top-ness, bad taste and, above all, pop culture as king. And that's the clearest breaking point between "Watchmen" the novel and "Watchmen" the movie. The novel is philosophy, analysis, psycholgy and deconstruction. The movie is tribute, admiration, simplification and spectacle. Where the novel questions the medium, the movie celebrates and exploits it. This becomes clear from the opening titles (amongst the most brilliant I've ever seen), where the world we're about to be submerged into for the next almost three hours is promptly summarized and introduced to us, a world where, no matter how alternate 1985 might get, we still have the same Andy Warhol painting the same way (even if he prefers a first Nite Owl as his inspiration over Marylin Monroe, for example), and where montages set to popular songs are sneaking behind every cut (something that I surprisingly enjoyed more than most other fans of the novel that I know have seen the film). Unfortunately, the novel's brilliantly cinematic flashing lights games are sadly absent from the film (oh, the irony!).

To wrap this up, credit where credit is due. Alan Moore wrote one of the most brilliant works of our time, Dave Gibbons is also an integral part of this all, Zach Snyder proved himself as an incredibly tenacious fan of the novel willing to go to great lengths in bringing the object of his affections's silver screen companion to fruition. to adapt the unadaptable with painstaking attention to detail (watch out for things like clocks and smiley faces in film and novel alike) and coming out of the whole ordeal relatively well-off. The movie is worth watching, but the novel... that one simply HAS to be read.

Lakai - "Fully Flared"

2009-03-15T20:49:00.000-07:00

Creo que mi próxima reseña de disco tendrá que ser de M83, el ex-dueto francés que, junto a My Bloody Valentine, constituyen lo mejor que jamás le haya pasado al shoegazing. Hoy, de la nada, recordé este genial video (indudablemente de mis favoritos en YouTube), introducción de un comercial/largometraje de nombre "Fully Flared" para una compañía de tenis de nombre Lakai, y dirigido por Ty Evans, Spike Jonze y Cory Weincheque.

La canción de fondo es "Lower Your Eyelids to Die With the Sun" (Baja tus párpados para morir con el sol) del disco "Before the Dawn Heals Us" (Antes de que nos cure el alba) de, precisamente, Em-Quatre-Vingt-Trois.

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My next album review will probably have to be for one of M83's, the French once-duet that, along with My Bloody Valentine, constitute the best to ever happen to shoegazing. Today, out the blue, this brilliant video (one of my absolute favorites on YouTube); the introduction to footwear company Lakai's "Fully Flared" feature-length commercial directed by Ty Evans, Spike Jonze and Cory Weincheque; popped into my head.

The background song is "Lower Your Eyelids to Die With the Sun" off the "Before the Dawn Heals Us" album by none other than Em-Quatre-Vingt-Trois.

"We Are Beautiful, We Are Doomed"

2009-03-13T18:11:00.000-07:00

Hay algo sobre "We Are Beautiful, We Are Doomed", segundo disco del conjunto británico Los Campesinos! que me hace considerarlo uno de los discos más representativos de lo que es mi generación. Empecemos con el hecho de que, de definir a Los Campesinos! en una sola palabra, la única elección posible tendría que ser "inmediatez". "We Are Beautiful" atraviesa diez canciones en treinta y dos minutos, lo que, si bien no coloca a Los Campesinos! al nivel de urgencia de, digamos, Anal Cunt y The Ramones (la primera que, junto a la popularidad del reggaeton, es el peor chiste que la música haya tenido que soportar a lo largo de su existencia y la segunda, que es la única "banda que cambió la música" que pudiera resumir su discografía en vivo con 15 minutos de batacazos al azar, una sierra eléctrica y dos gatos con el pelo lo suficientemente largo para cubrirles los ojos peleando dentro de una bocina encendida y puesta en el volumen más alto) sí los hace parecer bastante ansiosos. Considerando también que este fue el segundo disco que sacaron en 2008, Los Campesinos! ciertamente parecen únicamente querer acabar con todo este desmadre de una buena vez.

Luego, el brillante uso de las palabras de Tom & Gareth (una colaboración que, de haber algo de justicia en el mundo, eventualmente será para los 2000s lo que Lennon/McCartney fue para, bueno, toda la música hecha desde mediados de los 60) que empiezan con la homónima "We Are Beautiful, We Are Doomed" (Somos hermosos, estamos malditos/perdidos) que suena como el lema de todos los seres humanos con esa curiosa mezcla de ambición de comerse al mundo y baja autoestima tan común a las edades de entre los quince y veinticinco que hayan existido jamás. En la misma canción aparece la increíble "We kid ourselves there's future in the fucking | But there is no fucking future" (Nos engañamos creyendo que el futuro está en joder | Pero no hay ningún jodido futuro) que es una gran manera de resumir a una generación que se vanagloria en su desesperanza por el futuro y su hedonismo de "vive rápido y muere joven" y sin embargo está tan aterrada de la muerte que guarda sus momentos felices (joder) como una reliquia familiar en una cajita que solo se abre cuando lo único que se quiere es recordar, sin importar qué.

De igual manera, abundan las letras que parecen sacadas de la autobiografía colectiva de todos los galeses de la edades de los miembros de la banda y que conocen completamente la experiencias de, digamos, vomitar de madrugada en un campo de fútbol, no comer por tres días y sentirse salvado por un paquete de cigarrillos de £9 y pelear por una muchacha indiferente, deseándola por su fascinante aire de decadencia. De esta clase de escritura se infiere otra característica de la generación e inherente a la música de Los Campesinos!: el egocentrismo. Pregúntale a cualquier mayor de treinta que haya interactuado más que pasajeramente con adolescentes y adultos jóvenes y "egocéntricos" seguro será una de las palabras que este mencione. También hay un poco de ese típico humor irónico de una generación que creció con los ochenterismos de lo cool y lo radical y que, a pesar de ver con absoluta claridad lo que realmente fueron los ochenta, los recuerda con cariño.

Por ahora, creo que he pintado la música de Los Campesinos! como algo decadente, feo y brutal. Pero tal juicio no podría estar más lejos de lo cierto. Creo que aquí vale la pena señalar a la banda musicalmente más parecida a Los Campesinos!, The Thermals, que son lo mismo pero en estadounidense y con menos del 50% del poder humano de los galeses (compárense los tres termales con los siete cultivadores). The Thermals se distinguen de los galeses por ser bastante más inteligentes y sin embargo menos mordaces en sus letras y por ser increíblemente más simples en lo musical. TT se escuchan como The Ramones aunque escriben como The Clash, mientras LC! escriben como Green Day pero se escuchan tan bien que ni "Rock the Casbah" se atrevería a burlarse de ellos. Y es que LC! usan su ventaja numérica a su favor yendo más allá del típico set punk/rock de guitarra, bajo y batería e incorporan una variedad de instrumentos de cuerdas, teclados y sintetizadores y hasta un sorprendentemente acertado xilófono. Si algo ha de quedar claro de lo que he escrito sobre esta banda, es que me encantas y que tengo mucho que agradecerles por todas esas tardes que he salido relativamente madreado de la chamba, únicamente sintiendo ganas de rock y "We Are Beautiful" ha llegado con un fulgor de trompetas y un halo divino a través de los audífonos para salvar mi día, al menos momentáneamente.

Así que viendo la música de Los Campesinos! como la generación a la que pertenecen uno se puede dar cuenta de que ambas son, por sobre todas las cosas, ambiguas. La rapidez del punk contra la progresión y paciencia de los arreglos casi-sinfónicos. La decadencia de las letras con lo bello de la música. La ambición del derrotado. La sabiduría del inmaduro.

Los Campesinos! - "You'll Need Those Fingers for Crossing"

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There's something about "We Are Beautiful, We Are Doomed", British group Los Campesinos! second album, that makes me think of it as one of the most representative records of our generation. Let's begin with the fact that, if I were to define Los Campesinos! in one word only, this one could be none other than "immediacy". "We Are Beautiful" goes through ten full tracks in thirty-two minutes, which doesn't precisely put them on level with the urgency of Anal Cunt or The Ramones (the first, along with reggaeton's current popularity, constitutes the single worst joke music has had to endure throughout its existence and the second is the only "band that changed the world" that could go through its whole recording history live with 15 minutes of random drumming, an electric saw and two cats with hair long enough to cover their eyes fighting inside a speaker that's on and at the highest volume) but sure makes them seem anxious.Considering also that this was no less than Los Campesinos!'s second album in 2008, they certainly seem bent on getting over this shit as soon as possible.

Then, Tom & Gareth's brilliant lyrics (a collaboration that, should there be any justice in the world, will be to the 2000s what Lennon/McCartney was to, well, all music made after the mid-60s), beggining with the eponymous "We Are Beautiful, We Are Doomed", a phrase that sounds like the catchphrase to all human beings between the ages of fifteen and twenty-five to have ever felt that curious mixture of unbridled ambition and low self-esteem so common to that stage of life. On the same track the brilliant "We kid ourselves there's future in the fucking | But there is no fucking future" makes its appearance, which brilliantly sums up a generation basking in its despair and "live fast, die young" hedonism yet so terrified of death that it keeps its glorious moments (fucking) as family relics stored in a tiny box, only to be taken in case of an extreme desire to remember anything at all.

Likewise we'll find lyrics that seem to be taken straight out of the collected autobiography of all Welsh people in the band members' age group, completely familiarized with the experiences of, say, puking on a football field, going three days without eating and feeling saved by a £9 pack of cigarettes and fighting for an indifferent girl that gives everyone the hots with her air of decadence. This is the kind of writing that makes you think of another characteristic inherent to both the generation and Los Campesinos!'s music: egocentrism. Ask anyone over thirty with more than a passing experience with teenagers and one of the words he'll invariably describe them with will be "egocentric". There's also quite a bit of that typical ironic humor of generation raised with eighties-isms of cool and radical aplenty and still capable of looking endearingly at those things despite having a clearer view of them now.

So far, I think I may have portrayed Los Campesinos!'s music as decadent, ugly and brutal stuff. But that couldn't be further from the truth. I think this is the best spot to mention what, musically speaking, is Los Campesinos!'s closest peer, The Thermals, who are the same thing but in the U.S. and with 50% the manpower (compare three thermals to seven peasants). The Thermals are distinguished from the Welsh by being quite smarter, yet less lyrically mordacious and musically simpler. While TT may sound like The Ramones and write like The Clash, LC! writes like Green Day but sound so good not even "Rock the Casbah" would dare look down on them. And it's just that LC! use their power in numbers to their favor, going well beyond the punk/rock guitar, bass and drums ensemble, opting instead for the inclusion of a strings section, keyboards and synths and a surprisingly befitting xylophone. What I really want to be left clear here is that I passionately love "We Are Beautiful" as it has come to my aid through my earphones with a chorus of angelic trumpets and a heavenly halo after work is done, I'm feeling relatively terrible and in the mood for nothing but rock.

Finally, looking at Los Campesinos!'s music as a reflection of its generation we can conclude that both are, above all else, pretty damn ambiguous. The urgency of punk with the patience and progression of a quasi-symphonic strings arrangement. The decadent lyrics with the beautiful music. The ambition of the defeated. The wisdom of the immature.

Los Campesinos! - "You'll Need Those Fingers for Crossing"

Cuentos de hadas para adultos - Adult fairy tales

2009-03-11T18:02:00.000-07:00

Algo que he notado en algunas reseñas de películas modernas, es la popularidad de la frase “cuento de hadas para adultos”. Creo que la película a la que con mayor facilidad se le ha asociado con este término hasta la fecha es “El Laberinto del Fauno” (2006) de Guillermo del Toro. Ejemplos de otras películas a las que, digamos, les queda el saco son “Magnolia” (1999) de Paul Thomas Anderson, “El Curioso Caso de Benjamin Button” (2008) de David Fincher y, en menor grado, “Los Niños del Hombre” (2006) de Alfonso Cuarón. Me parece que los elementos que todas estas películas tienen en común, y que las han llevado a ser portadoras de la misma etiqueta son la mezcla de elementos reales y fantásticos sacados de mitologías específicas para darle a cada cual su propio aire especial, la curiosa capacidad de los personajes de las mismas para aceptar los elemento fantásticos sin cuestionarlos, la seriedad y plausibilidad con la que los elementos de ambos mundos son tratados, entre otras que llevan a que estas películas se vean como se lee a Juan Rulfo y Gabriel García Márquez. En pocas palabras, los cuentos de hadas para adultos son el realismo mágico del séptimo arte.

“Fauno”, por ejemplo, se caracteriza de las demás por tomar los elementos mitológicos, no de un país, un pueblo o una cultura, sino de todo un continente. El ya-folclor de Lewis Carroll, los hermanos Grimm, Hans Christian Andersen y todos los otros autores cuyo trabajo haya sido animado por Disney en algún momento, con un poco de mitologías griega y cristiana crean el innegable producto de una amalgamación netamente europea. El fauno mismo, por ejemplo, no es sino el nombre y la adaptación latina de los míticos sátiros griegos. Ofelia, la protagonista de la película, descubre algo que ni tenía idea que estaba buscando, precisamente gracias al hecho de perderse en un laberinto, algo en lo que un tal Teseo le lleva ya al menos un buen par de milenios de ventaja. El Hombre Pálido (el mono ese con ojos en las manos) y las ilustraciones de su guarida no se verían ni remotamente fuera de lugar en las fantásticamente absurdas imágenes de los maestros holandeses del siglo XVI Jheronimus Bosch y Pieter Bruegel el Viejo, o en esos grabados eclesiásticos que parecen adornar todas las copias de “La Divina Comedia” habidas y por haber, mientras la guarida misma es románico puro. Desde el antiguo Israel ya se vinculaba a la mandrágora con la fertilidad y a los placeres de la comida y bebida con el pecado mismo. A toda esta mezcla le agregamos trenes, tortura, huérfanos, infanticidio, bosques, bosques, bosques y acentos españoles y la única manera en que podría más obviamente ser una carta de amor al viejo continente sería si, antes de los créditos finales, las palabras “esta es una carta de amor al viejo continente” aparecieran mientras, digamos, Beethoven se escucha en el fondo.

Con tanta afinidad y cariño por el material base, pero indudablemente más moderno, “Benjamin Button” aborda la vida de un personaje con la curiosa característica de no envejecer, sino todo lo contrario. La historia corta homónima en la que se basó la película fue escrita por un estadounidense brillante de nombre F. Scott Fitzgerald (y sí, esas palabras subrayadas son un enlace a la historia original, no es tan larga, así que hazte un favor y da click en ellas) pero a diferencia de la película, no está centrada en Nueva Orleans, una ciudad tan estadounidense que de sólo mencionarla se escuchan banjos y acordeones de zydeco en la distancia; sino en Baltimore, una ciudad tan estadounidense que de sólo mencionarla se escucha jazz en la distancia. La película empieza con revolución industrial, progreso, el fin de una guerra, fuegos artificiales, blanco, azul, rojo, barras y estrellas por siempre. Continúa con un poco de racismo ablandado para no ofender a nadie, un predicador negro gritón vestido como en coronel de KFC, milagros de carpa de circo y góspel. Por si no te has dado cuenta aún, “Benjamin Button” es americana pura. Y es que es fácil olvidarse de que aún un país tan nuevo como Estados Unidos tiene su propia mitología, que no sólo existe, sino que también es sorprendentemente diversa y congruente con las sencillamente enormes dimensiones de ese país. Los juegos de palabras con el apellido de Button y la compañía botonera de su padre parecen sacados del mismísimo Dr. Seuss. El personaje de Benjamin, tanto el literario como el fílmico, tienen su lugar innegable junto a otros como Paul Bunyan, Pecos Bill, Johnny Appleseed y el contemporáneo Forrest Gump como figuras del folclor estadounidense del pasado y presente. De hecho, las películas de las vidas de este último y Benjamin Button comparten más que sólo un par de similitudes, lo que ha llevado a innumerables comparaciones entre ambas.

Y es que sí, efectivamente ambas son bildungsromans de cajón, llevándonos a lo largo de dos vidas enteras, de la inocencia a la madurez. La inocencia de uno que sencillamente es demasiado lento para no ser inocente, y la del otro, que transgrede las barreras entre la inocencia de la niñez en la que no se conoce nada porque no se ha visto, y la de la vejez, en que no se conoce nada porque lo que se conocía quedó atrás. Ambas películas muestran el cambio de un país a través del tiempo, especialmente tras una guerra (Vietnam y la Segunda Mundial, respectivamente) pero desde los ojos de los personajes mismos. Ambas celebran la cultura del país a través de la música, las artes, el territorio, los medios de comunicación y sí, hasta la nostalgia de dejarlo atrás. Ambos personajes muestran una propensidad a que, digamos, las cosas les caigan del cielo. Ambas historias son, en lo más profundo de sus guiones, meras historias de amor. Pero los paralelos importantes acaban ahí, y aún así no me parecen los suficientes, ni lo suficientemente fuertes para la popularidad de la comparación.

Y es que la diferencia más básica e importante entre ambas películas es que no hay nada sobrenatural en “Forrest Gump”. Hay coincidencias al por mayor, claro, pero esas hay en prácticamente toda la ficción jamás escrita. Pero no, en “Benjamin Button”, el hecho de que el personaje juvenezca naturalmente le da un aire totalmente antinatural a todo el asunto, y es justo ahí donde entra la característica más clara del realismo mágico de la historia. A nadie parece importarle. La madre adoptiva, el padre natural y hasta el amor de la vida de Benjamin actúan a lo largo de la película como si el hecho de que el muchacho vaya todo alrevesado fuera lo más normal del mundo. De hecho, en retrospectiva, el padre probablemente lo abandona a su suerte más por feo que por anormal. Personalmente encuentro exactamente en esto el punto más fuerte del cuento de hadas, y el punto más débil de la película como tal. Las implicaciones de una persona yendo por el proceso biológico de atrás para adelante (y sin embargo viniendo de y yendo hacia el mismo lugar al que vamos todos) dan para muchas divagaciones intelectuales. Se puede hacer un análisis de la compleja psicología de una persona que se ve a sí misma creciendo de una manera diferente a los demás, así como de la percepción de todas las personas que lo rodean. Se puede teorizar mucho sobre los paralelos de las etapas de la vida como la infancia con la senilidad, la madurez con la pubertad. Se pueden hacer demasiadas cosas con un tema así que tengo que aplaudir la decisión de los realizadores de hacerlas todas de la manera más sencilla posible. Mostrándolas de la manera más superficial posible o ignorándolas del todo para permitir que el propósito último se lleve a cabo. Permitir que la historia se cuente. Y nada más.

“Magnolia” es también un caso muy curioso. A lo largo de sus sorprendentemente ligeras 3 horas de duración, la película parece explorar, por sobre todas las cosas, los límites de cómo se puede contar una historia. Es larga, es implacable por media hora, un poco tediosa y aburrida durante la siguiente hora y media y la última hora es nuevamente implacable y jodidamente rara. Lo más impresionante es que es totalmente realista, con sólo una pequeña introducción sobre las coincidencias que ciertamente es más absurda que extraña hasta poco antes del final. Imagina ver una telenovela, es como todas las telenovelas jamás hechas, sólo que en los últimos capítulos hay una invasión marciana y la pobre sirvienta enamorada se ve luchando por su vida contra monstruos verdes de muchos tentáculos. Sí, así de drástico es el cambio en “Magnolia” cuando, en un momento, el drama y la carga emocional han llegado a un nivel tan intenso que literalmente lo único que puede romperlo es que todos los personajes empiecen a cantar la misma canción al mismo tiempo. Y que después lluevan ranas.

Así es, la conclusión al tremendo drama de padres e hijos, enamorados y enamoradas, corazones rotos, mentiras, drogadicciones, incomodidad insoportable, humor incómodo y Tom Cruise siendo Tom Cruise es una lluvia de ranas que sale de la nada. Y sin embargo, lo más mágicamente realista del asunto es que la absurdez de este último fenómeno funciona tan perfectamente con la realidad de todo lo que le precede. En este caso también, siendo la redención uno de los temas esenciales de la película, y notando el obvio paralelo entre la lluvia de ranas y cierto evento mitológico, es claro que la mitología a seguir de “Magnolia” es nada más y nada menos que la bíblica misma.

Por último, “Los Niños del Hombre”, notable por ser la única de todas las películas discutidas aquí que no tiene un pasado o presente ligeramente atemporales como fondo, sino un curiosamente plausible futuro, es también la segunda película mencionada en ser adaptación de una obra literaria. La novela homónima es del autor británico P. D. James y, considerando que aún no la he leído, no puedo comentar mucho al respecto. El caso de la película sin embargo me parece muy especial porque precisamente parece ser que, por más que algo sea claramente realismo mágico, si se coloca en el futuro se vuelve ciencia ficción. Ahora hay que distinguir un poco entre los dos tipos de ciencia ficción que puede haber. La primera es la ciencia ficción “dura”, libros enteros detallando exhaustivamente y con minuciosidad los posibles efectos sobre la vida si, digamos, los elevadores especiales fueran una realidad, o si la Tierra fuera una ecumenópolis, y que raramente se presentan como novelas, usualmente tomando la forma de ensayos. Las otras son las historias de ciencia ficción. Naves especiales que funcionan gracias a una minuciosamente imaginada red de combustibles, métodos de propulsión y otras cosas a muchos años de ser científica o económicamente posibles. “Niños del Hombre” es una mezcla curiosa de ambas, hubo avances tecnológicos pero anclados en la plausibilidad, y estos, junto a la humanidad como tal, quedaron estancados en el momento que el último nacimiento humano fue también la última esperanza del mundo. De igual manera, a pesar de haber una historia y de ser contada magistralmente, hay más que solo un poco de análisis sobre cómo sería el mundo si algo tan lejano y brutal como los seres humanos perdiendo la capacidad de reproducirse.

No hay duda alguna de que algo tan drástico no puede ser sino fantasía, y sin embargo “Niños del Hombre” es la más realista de todas las películas mencionadas aquí. Esto se debe, en primer lugar al estilo cuasi-documental de realización así como a la mitología de donde saca sus recursos. Esta mitología es nada más y nada menos que el colectivo de trabajos sobre un futuro distópico creados por británicos. De “1984” de George Orwell a “Brasil” de Terry Gilliam y, hasta cierto punto el absurdo, hilarante pero pensante universo de la “trilogía” del “Autoestopista Galáctico” de Douglas Noel Adams, no hay mucha duda sobre el hecho de que los británicos conocen sus distopias (y sus burocracias) como ninguna otra nacionalidad en el mundo. Personalmente, creo que “Niños del Hombre” es el claro último ejemplo de los cuentos de hadas para adultos ya que traspasa los límites entre este tipo de historias, la ciencia ficción y la ficción especulativa como ninguna otra película lo había o, hasta ahora, lo ha hecho.

Cabe mencionar por último que hay trabajos que también pueden ser acreedores al título de “cuento de hadas para adultos” en la animación, principalmente la japonesa, pero no podría ni empezar a escribir sobre animación sin echarme al menos otras 2,000 palabras. Así que eso lo dejaremos para otra ocasión.

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A trend I’ve noticed in current film reviews is the popularity of the term “adult fairy tale”. I also think the movie most easily identified as such so far has been Guillermo del Toro’s “Pan’s Labyrinth” (2006). Clear examples of other movies to be thrown in the same sack would include Paul Thomas Anderson’s “Magnolia” (1999), David Fincher’s “The Curious Case of Benjamin Button” (2008) and, to a lesser degree, Alfonso Cuarón’s “Children of Men” (2006). Apparently, the common elements to all this films would be the mixture of realistic and fantastic elements from a determinate mythology that grants each its own special air, their characters’ curious ability to unquestioningly accept the fantastic elements, the seriousness and plausibility with which both worlds’ elements are treated, amongst other which make the watching of this films an experience similar to reading Juan Rulfo or Gabriel García Márquez. Basically, “adult fairy tales” would be film’s very own magic realism.

“Pan’s Labyrinth”, for example, distinguishes itself from all the other films in this list by taking its fantasy not from a culture or people’s mythology, but an entire continent’s. Lewis Carroll’s, the Grimm brothers’, Hans Christian Andersen’s and just about any author ever animated by Disney’s now-folklore mixed with some Greek and Christian mythologies create the undeniable product of an utterly European amalgamation. The faun itself, for example, is no more than the Latin version and name of Greece’s own mythical satyrs. Ofelia, the film’s protagonist, finds something she didn’t even know she was looking by getting lost in a labyrinth, an act at which a youngster by the name of Theseus has her beaten by a couple of millennia. The Pale Man (hands-eyes dude) and its lair’s illustrations wouldn’t look even remotely out of place on the fantastically absurd works of sixteenth-century Dutch masters Jherominus Bosch and Pieter Bruegel the Elder or the ecclesiastic woodcuts that seem to adorn every edition of “The Divine Comedy” ever made, while the lair itself is pure Romanesque. Since ancient Israel, mandrakes have been associated with human fertility, while the pleasures of food and drink have done to the same to sin itself. We add trains, torture, orphans, infanticide, forests, forests, forests and Spanish accents into the mixture and the only way the end product could more obviously be a love letter to the Old Continent would be if the words “this is a love letter to the Old Continent” showed up on screen before the credits while, let’s say, Beethoven plays on the background.

With as much love and affinity for the source material, but undoubtedly more modern, “Benjamin Button” deals with the life of a character with the unusual characteristic of not aging, but rather doing the very opposite. The eponymous short story on which the film is based was written a brilliant U.S. author by the name of F. Scott Fitzgerald (and yes, the blue words on the back there are a link to the story itself, it’s not too long so do yourself a favour and read it) but, unlike the movie, which is based on New Orleans, a city so U.S.-y that just mentioning it makes banjos and zydeco accordions sound on the distance; the story is based on Baltimore, a city so U.S.-y that just mentioning it makes jazz sound on the distance. The movies begins right away with industrial revolutions, progress, the end of a war, fireworks, blue, red, white, stars and stripes forever. It’s followed by some racism watered-down enough for no one to get offended, a screaming black preacher dressed like the KFC Colonel, circus tent miracles and gospel. If you hadn’t noticed yet, “Benjamin Button” is pure Americana. And it’s easy to forget that even a country as new as the U.S. has its own mythology, not only existent, but also very diverse and quite congruent with the country’s simply enormous size. The plays-on-words with Button’s last name and his father’s button factory are nothing of reminiscent of Dr. Seuss, while Button himself, filmic and literary versions, has an undeniable spot right next to Pecos Bill, Paul Bunyan, Johnny Appleseed and even the contemporary Forrest Gump as figures of United States folklore of past and present. In fact the films detailing the fictional lives of this last character and Benjamin’s own have led to countless comparisons between the two.

And yes, both are textbook bildungsromans, leading us through two entire lives, from innocence to maturity. The innocence of one quite simply too dim-witted not to be innocent and the other’s, breaking the barriers between the innocence of childhood where nothing is known because it hasn’t been seen yet and that of old age where all that was known has been left behind. Both movies show a country’s passage through time, specially in the aftermath of a war (Vietnam and WWII, respectively) but through the eyes of the characters themselves. Both celebrate the country’s culture through music, arts, territory, media itself and even the nostalgia of leaving it all behind. Both characters show a propensity to, let’s say, having things happen to them by divine mandate. Both stories are, at their utmost core, mere love stories. But all noteworthy parallels end there and yet, to me at least, don’t seem enough to grant the comparison such popularity.

And it’s that the most important difference between both works is the lack of any supernatural elements in “Forrest Gump”. Coincidences abound, but this is the case for practically every bit of fiction ever written. But no, as in “Benjamin Button”, the title character’s natural process of getting younger gives the whole affair a completely unnatural quality and it’s right here that the story’s most magically realistic characteristic kicks in. Nobody seems to mind. Benjamin’s adoptive mother, natural father and even love of his life all act like the bloody kid going all backwards-like was the most normal thing ever. In fact, retrospectively, it seems the father leaves him up to his own luck more on account on his ugliness than on his abnormality. I personally find this illustrative of the fairy tale tag’s strongest point also one of the movie a such’s weakest. The implications of a person going through the whole biological process of life the other way around (yet going to and coming from the same spot as us all) give quite the leeway for intellectual divagations. The complex psychologies of a person growing in a way opposite to that of everyone around him as well as those of all who surround him could be heavily analyzed. The parallels between the different stages of life, like infancy with senility, maturity with puberty could be heavily theorized. There’s just too many things that can be done with such a topic that I must simply applaud the decision of everyone involved in the movie who made it so that all this possibilities were done in the simplest possible way: superficially or not at all. And this all to allow the film’s ultimate purpose to take place, this all to let the story be told. Nothing more.

“Magnolia” is quite the curious case as well. Through its surprisingly light 3 hours, the movie seems to explore, above all, the limits of storytelling. It’s long, relentless for its first half-hour, rather tedious and boring for the next hour-and-a-half only to end in an also relentless and weird-as-fuck final hour. The most impressive thing of the whole ordeal is just realistic it all is, with the sole exception of the more-absurd-than-weird introduction on coincidence. Imagine watching a soap opera, it’s like every soap opera ever made, until the final three episodes, where out of nowhere the maid that was actually gonna find true love and get rich in the process finds herself fending off many-tentacled green monsters. Yup, that’s just how drastic the change in “Magnolia” is when the drama has reached a boiling point so precarious, so strong that the only thing that’ll get it out of it will be all the characters randomly bursting into song, the same song. Followed by a rain of frogs.

You read right, the ending to this huge fathers-and-sons, lovers-and-unrequited-fellows, broken hearts, lies, drug addictions, unbearable awkwardness and awkward-humored and Tom Cruise being Tom Cruise drama is a frogstorm coming straight out of fucking nowhere. The most magically realistic part of it all? How well this magical phenomenon fits the preceding realism. In this case as well, considering that redemption is such an important theme to the film, and that the frogstorm shares a few things with quite the well-known mythic event, it becomes clear that “Magnolia”’s founding mythology is the biblical one.

Finally, “Children of Men”, notable for being the one movie here not to be set in a slightly timeless past or present, but in a curiously plausible future, it’s also the second one to be based on a literary work. P. D. James’s eponymous novel won’t be discussed here as I haven’t read it yet. The movie however, is quite special to me, as it seems that it doesn’t matter how clearly magically realistic a film is, if it’s set in the future, it’ll be considered science fiction. Now comes the time to distinguish between two different types of possible science fiction which could influence “Children of Men”. “Hard” science fiction are works rarely written in novel form, and which more often take the form of essays and deal in exhaustively detailed manner on the implications of scenarios like space elevators being commonplace or Earth being an ecumenopolis. The others are “soft” science fiction stories, where conveniently human extraterrestrial beings travel around in thoroughly imagined ships with their own fuel and propulsion systems, still countless years away from being scientific or economically possible to our world. “Children of Men” is curiously influenced by both, as there were scientific advances, anchored in plausibility, later left to rot away along with the last modicum of human hope when the last human being was born. Also, despite being a story whose priority is getting told, there’s quite a bit of actual theorizing on how the world would really react to something as far-off, brutal and fantastic as human beings losing the ability to reproduce.

There’s no denying the fantastic quality of something so drastic, yet “Children of Men” easily comes off as the most realistic of all the films mentioned here. This is thanks to, in first place, its quasi-documentary realization style, and in second place to just which mythology it takes its queues from. This mythology is none other than the collected dystopian works of several British authors. From George Orwell’s “Nineteen Eighty-Four” to Terry Gilliam’s “Brasil” and even going through Douglas Noel Adams's absurd-and-hilarious-yet-thought-inducing “Hitchhiker Trilogy”, there’s little doubt as to whether Brits know their dystopias (and bureaucracies) like no other people in the world or not. I personally think “Children of Men” is worthy of the distinction of being the last “adult fairy tale” to be discussed as it’s the one that blurs the boundaries between other adult fairy tales, science fiction and speculative fiction like no other film had, and even today, has so far.

Worthy of mention is the fact that some works of animation, specially those of Japanese origin, can also be worthy of the “adult fairy tale” title, but I couldn’t even begin writing about animation without taking up other 1900 words, so we’ll have to leave it at that.

"Feel Good Lost"

2009-03-07T17:09:00.000-08:00

Marzo de 2001. El nuevo milenio realmente había empezado (no hay año cero, demonios, las décadas, siglos y milenios nuevos empiezan en los años que acaban en 1). Nadie tenía idea de que en medio año el mundo se volvería medio loco gracias a un par de aviones y (para variar) el frenesí mediático. Para mí, blink-182 seguía siendo la mejor (y prácticamente única) banda del mundo, con Linkin Park y Limp Bizkit contándose entre los otros pocos grupos conocidos. En la escena nacional, Zoé era todo. "Gladiador" era la mejor película jamás hecha.

Y mientras todo esto ocurría, un par de canadienses barbudos y estrafalarios decidieron sacar un álbum a medio camino del increíblemente legendario post-post-post-rock del "F#A#∞" (ni siquiera intentes pronunciar eso) de Godspeed You Black Emperor! y el minimalismo de música de elevador que de hecho es buena de Brian Eno.

Con este disco, Kevin Drew (antes de KC Accidental) y Brendan Canning (antes de un montón de bandas de las cuáles sólo mencionaré a hHead porque me gusta cómo se ve escrito y porque ni quien las conozca) comenzarían la más grande saga del indie canadiense, indudablemente el mejor producto de exportación de aquel frío gigante nórdico (sí, aún mejor que el jarabe de maple y las peleas de hockey).

Ese disco fue "Feel Good Lost".

Casi completamente instrumental, austero, minimalista y simple, no había mucho en este disco que te llevara a imaginar lo que posteriormente serían el implacablemente pegajoso "You Forgot it in People" de 2002 y el épicamente rompemadres "Broken Social Scene" de 2005, y sin embargo ya se adivinaba un cierto deseo por la grandeza.

Sólo en "Alive in 85" (la joya de la corona del disco) y el principio de "Cranley's Gonna Make It" uno podía notar sin tapujos que más que simples shoegazers obsesionados con el ruido, Drew y Canning tenían una indudable capacidad para crear emoción y ritmo con estructuras francamente pop. Y sin embargo, en medio de la pared de ruido que constituyen las otras 10 rolas no hay escasez de momentos de brillantez y genio. Claro ejemplo de esto es la breve aparición de Leslie Feist, elemento que posteriormente se volvería tan integral a la banda como Drew y Canning mismos.

De igual manera, al intentar llevar el disco del frío mundo del silicio circular al de la piel, hueso, sudor, máquinas de humo y luces de colores, los dos fundadores se vieron en la necesidad de darle a BSS su más definitoria y brillante característica: la expansión. Consideremos que el BSS de "Feel Good Lost" eran dos tipos y una amiguita jugando en un estudio y que el de "You Forgot it in People" y el homónimo era un colectivo hecho y derecho de más de 10 seleccionados de la créme de la créme de la música canadiense, donde podías encontrar al menos 2 intérpretes de casi todos los instrumentos habidos y por haber (con las tristes excepciones del triángulo eléctrico, el ukulele y el frasco) y que para tocar en vivo tenía que llegar a acuerdos entre miembros de bandas, productores, promotores y disqueras que hacían que la ONU se viera como dos niños peleándose por cuál de sus papás gana más.

En retrospectiva, "Feel Good Lost" bien podría ser uno de esos discos que escuchas y que siempre te gustarán, no tanto por los méritos propios, sino como un comparativo, un documento histórico. Casi como ver las primeras películas con efectos especiales de humo y cortes de cámara obvios, o un futuro dictador destruyendo muñequitos de Lego. No es cool, no te deja boquiabierto, pero no puedes dejar de disfrutar la simple ingenuidad y diversión, presintiendo al mismo tiempo que eres testigo de cómo se hace la verdadera historia.

Broken Social Scene - "Alive in 85"

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March 2001. The new millenium was truly up and running (there's no year zero, dammit, decades, centuries and millenia all begin in years ending with 1). Nobody could've guessed the world would go nuts in half a year over a couple of planes and (for a change) the media frenzy. blink-182 was still the best (and pretty much only) band in the world for me, with Linkin Park and Limp Bizkit as their lone runners-up. In the national scene, Zoé was all. "Gladiator" was the greatest movie ever made.

Meanwhile, a couple of weird-ass, bearded canadians released an album halfway between the incredibly legendary post-post-post-rock of Godspeed You Black Emperor!'s unpronunceable "F#A#∞" and Brian Eno's actually nice elevator music minimalism.

With this record, Kevin Drew (formerly of KC Accidental) and Brendan Canning (formerly of a lot of bands, of which I'll only mention hHead because I like how it's written and because you don't know any of the others anyway) would begin what would later become the greatest saga of canadian indie, undoubtedly the frozen northern giant's greatest export (yeah, even better than maple syrup and hockey fights).

This record is "Feel Good Lost".

Almost entirely instrumental, austere, minimalist and simple, there wasn't much in this record that could lead you to predict the relentless catchiness of 2002's "You Forgot it in People" and 2005's "Broken Social Scene"'s sheer ball-breaking awesomeness, yet, greatness was easily identified throughout.

Only on "Alive in 85" (the album's doubtless crown jewel) and the beggining to "Cranley's Gonna Make It" could you obviously notice that, more than noise-obssessed shoegazers, Drew and Canning shared a true talent for creating emotion and rhythm with some truly pop song structures. Yet, there's no shortage of genius and brilliance in the wall of noise constituted by the album's other 10 tracks. A clear example of this would be Leslie Feist's brief appearance, who would later become significant enough an element for the band as Drew and Canning themselves.

Likewise, in translating this record from the realm of cold, round silicon to the realm of bone, blood, sweat, smoke machines and colored lights both founders found (heh) themselves in the need to grant BSS its defining, greatest feature: expansion. Let's consider "Feel Good Lost"'s BSS as two dudes and their little girl friend fooling around a studio and that "You Forgot it in People" and the eponymous album's BSS was a true and through collective of over 10 of Canada's créme de la créme musicians where at least 2 players of almost every conceivable instrument (with the sad exceptions of the electric triangle, the ukulele and the moonshine jar) were to be found, which, in order to play live had to go into meetings involving assorted band-members, producers, concert promoters and labels that made the UN look like a couple of kids arguing over whose daddy makes the most money.

In retrospective, "Feel Good Lost" is one of those records that one can simply listen to and enjoy always, perhaps not so much for its own merits, but rather as a testimonial, a historic document. Much like watching those old films with smoke and camera tricks for special effects, or seeing a future dictator wrecking his Lego people. It's not cool, it doesn't leave you open-mouthed, but you can still enjoy it for its sheer fun and simplicity, feeling a light sense of witnessing true history-on-the-making throughout.

Broken Social Scene - "Alive in 85"

¡Hola! - Hi!

2009-03-06T18:50:00.000-08:00

Bueno, primero lo primero. Nací en 1988. Chilango. He vivido en Pachuca, Hidalgo; México, D.F.; Playa del Carmen, Quintana Roo (actualmente) y dos periodos que no vale la pena recordar, más que nada, porque no tenía capacidad de crear recuerdos en aquellos tiempos de inocencia y analfabetismo en Puebla, Puebla y (creo) Cd. Juárez, Chihuahua.

Para los novatos, todo este desmadre queda en México.

Para los novatos, "desmadre" es una palabra netamente mexicana para llamar a un embrollo, desbarajuste, faramaya, revoltijo, etc.

Estudié cine por casi año y medio pero al parecer no fui lo suficientemente paciente para eso, y aparte soy alérgico a los MiniDVs. Escuché el canto del mar y esto me llevó a fugarme a este hostal de 100,000 pax/abastecimiento de trabajadores para la industria turística en el bello Caribe mexicano hace como algunos meses (no los suficientes para decir "casi un año").

Básicamente sufro de Desorden Imaginario de Deficit de Atención y Creatividad Excesiva (DIDACE para los amigos), lo que se traduce en que quiero hacer muchas cosas pero soy muy huevón para realmente hacerlas y/ó acabarlas y soy distraído y propenso a debrayes mentales. Aún así, tengo un Flickr que habrá de actualizarse dentro de poco y una página de last.fm que me hacen sentir tan orgulloso como (me imagino) el padre de un medallista olímpico (de plata para arriba). También soy apasionado a la música y el cine y de eso es de lo que más voy a escribir aquí.

Así que sin más, termino esta primera entrada y dejaré que lo demás que tenga que venir hable por sí mismo.

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First things first. I was born in Mexico City in 1988. I have lived in the cities of Pachuca, Hidalgo; Mexico City; Playa del Carmen, Quintana Roo (current) as well as 2 not-worthy-of-remembrance periods which I can't remember due to innocence and illiteracy in Puebla, Puebla and (I think) Cd. Juárez, Chihuahua.

For the uninitiated, this whole mess is in Mexico.

I was in film school for almost a year and a half until I discovered I didn't have the patience for that shit. Also, I'm allergic to MiniDVs. I heard a seasong and it brought me to this 100,000-people hostel/tourism industry workers-breeding grounds in the beautiful Mexican Caribbean months (not enough to say "almost a year") ago.

Basically, I have Imaginary Attention Deficit and Excessive Creativity Disorder (IADECD for friends), which translates to me wanting to do a whole lot of things but being unable to do/finish them because I'm such a lazy ass who gets distracted and divagates too much. Still though, I have a soon-to-be-updated Flickr and a last.fm profile that fill me with as much pride as (I'm guessing) the father to an Olympic medalist (silver or higher). Also, I'm really into music and film and that's what I'll be writing about the most.

So, without further ado, this first post is over and may whatever comes next speak for itself.