martes, 30 de junio de 2009

"Alligator"

Lo mejor de The National son sus letras. Ya está, lo dije. Matt Berninger es un genio de la pluma y el papel y de las cuerdas vocales y el micrófono. "Alligator" de 2005 es su tercer álbum y el que los puso en la libreta de notas y listas de fin de año de los críticos. Originarios de Cincinnati, al escucharlos es casi imposible creer que no sean neoyorquinos, aunque hoy en día están basados en Brooklyn. Su sonido es una extraña mezcla del más puro indie y esa especie de balada de piano de ebrios en bares llenos de humo y con los últimos sobrevivientes de la era del burlesque como Tom Waits y hasta Enrique Bunbury.

Con guitarras dignas de aquella resurrección del post-punk de principios y mediados de la década que vio a bandas como Interpol canalizando a Television y Joy Division desde sus respectivos tiempos, música indie, monótona, aguda, repetitiva, hipnótica, pegajosa, a veces sombria y alegre pero siempre punteada por la entrega de Berninger. Desde "Secret Meeting", que abre el disco, nos damos cuenta de lo especial de su voz, monótona, grave, casi aburrida y sin embargo tan emocional. Es en esta entrega tan deadpan que el impacto de The National se hace evidente, sobre todo mientras Berninger sigue hablando tan cool y poco afectado, como poeta de cuello de tortuga negro y bongós, mientras las vocales secundarias gritan a todo pulmón "it's in the basement, honey" o algo así.

Las letras se empiezan a destacar en "Karen", aunque no hay una línea o estrofa que amerite citarse, toda la canción empieza a dar nota del estilo líterario de la banda. Imágenes absurdas, algo de verbosidad, metáforas casi poéticas y referencias abstractas a "América" punteadas con muy pocas pero muy bien empleadas groserías. Asimismo, uno de los temas principales del disco se nota, el ego. En "Lit Up" Berninger llama a alguien "la vida baja de la fiesta, malasangre para todos", y en "All the Wine" él clama "estoy armado hermosamente | gran botella húmeda en mi puño | gran rosa húmeda entre mis dientes | soy un perfecto imbécil | como todo californiano | tan alto que destaco en la calle | con haces de luz a mi espalda | soy un festival, un desfile" y que "lo siento, pero la caravana tendrá que darme la vuelta esta vez | porque Dios está de mi lado | soy la niña novia", utilizando probablemente las dos personas más egocéntricas que puedas encontrar (un niño y una novia en el día de su boda) para ilustrar el ego a la vez enorme y por los suelos de algún personaje. En "Baby, We'll Be Fine" el coro es simplemente "lo siento tanto por todo" repetido como verdadera oración entre peticiones a alguien "di algo perfecto, algo que pueda robar", un grito de "sálvame", "rescátame" si alguna vez ha habido alguno.

En "The Geese of Beverly Road" es donde Berninger quizá suena más romántico con la estrofa "liberaremos a los gansos de Beverly Road | hey, amor, nos saldremos con la nuestra | correremos como si fuéramos geniales, genios totales | somos los herederos del mundo brillante" y las geniales "iremos de carro en durmiente carro | susurrando en sus durmientes oídos | 'estuvimos aquí, estuvimos aquí'" y "ven a ser mi mesera y sírveme esta noche | sírveme el cielo con una gran rodaja de limón". La última canción del disco, "Mr. November" cierra con broche de oro con su coro de "soy la nueva sangre azul, la gran esperanza blanca | no nos joderé, soy el Sr. Noviembre" y la última analogía del bipolar ego de las letras de Berninger, "solía ser cargado en los brazos de porristas".

Un último detalle de la música de The National y lo que los diferencia de tantas otras bandas es el hecho de que entre sus miembro se encuentra Padma Newsome, miembro también de Clogs y absoluto virtuoso del violín. Recuerdo perfectamente cuando los vi en vivo y entre Berninger gritando sus letras a todo pulmón sin moverse y sin expresión en su cara y toda la gente y todo eso, lo que más destacaba sin duda alguna era el talento del violinista, tocando con esa energía especial del rock pero con el virtuosismo de solista de orquesta. Verdaderamente fue algo único.

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The best thing about The National is their lyrics. There, I said it. Matt Berninger is a genius of the pen and paper and of the vocal chords and microphone. 2005's "Alligator" is their third album and the one that would place them on the notepads and end-year lists of music critics. Originally from Cincinnati, when hearing them it's pretty difficult to believe they're not from New York, although they are based off Brooklyn nowadays. Their sound is an odd mixture of the purest indie and that sort of drunken piano ballads from bars blinded by smoke and with the last survivors of the burlesque era such as Tom Waits and even Enrique Bunbury.

With guitars worthy of that post-punk resurrection of the early and middle years of the decade, which saw bands such as Interpol channeling Television and Joy Division from their respective time frames, indie, repetitive, monotone, sharp, hypnotic, catchy, sometimes somber and glad music always marked by Berninger's delivery. From the opener "Secret Meeting" we realize how special his voice is, monotone, deep, almost bored and yet so emotional. It's in this deadpan delivery that The National's impact becomes evident, specially when Berninger sounds so cool and unaffected, while the background vocals shout with all their might "it's in the basement, honey" or something like it.

The lyrics begin shining on "Karen", and while there's no one line or stanza worth quoting, the whole song highlights the band's literary style. Absurd imagery, some verbosity, nigh-poetic metaphors and abstract references to "America" interspersed with some very well-employed cursing. Likewise, one of the main themes of the album becomes noticeable, ego. In "Lit Up" Berninger calls an unknown someone "the low life of the party | bad blood for everybody", and in "All the Wine" he claims "I'm put together beautifully | big wet bottle in my fist | big wet rose in my teeth | I'm a perfect piece of ass | like every Californian | so tall I take over the street | with light beams shining on my back | I'm a festival, I'm a parade" and "so sorry, but the motorcade will have to go around me this time | 'cause God is on my side | and I'm the child bride", using which are probably the most egocentric characters one could possibly find, a child and a bride, to illustrate the at times huge and others down low ego of some character. In "Baby, We'll Be Fine" the chorus is a simple "I'm so sorry for everything" repeated as a true prayer amongst shouts for someone to "say something perfect, something I can steal" as the most honest screams of "save me" that have ever been.

It's quite probably on "The Geese of Beverly Road" that Berninger sounds at his most romantic with the stanza "we'll set off the geese of Beverly Road | hey love, we'll get away with it | we'll run like we're awesome, totally genius | we're the heirs to the glimmering world" and the brilliant "we'll go from car to sleeping car | whisper in their sleeping ears | 'we were here, we were here'" and "come be my waitress and serve me tonight | serve me the sky with a big slice of lemon". The last song of the album is "Mr. November" and it closes it magnificently with its chorus of "I'm the new blue blood, I'm the great white hope | I won't fuck us over, I'm Mr. November" and the final analogy to the bipolar ego of Berninger's lyrics "I used to be carried in the arms of cheerleaders".

A final detail of The National's music and that sets them apart from so many other bands out there is the fact that they count Padma Newsome amongst their members, who also plays in Clogs and is a true fiddle virtuoso. I perfectly remember the time I saw them live and amongst Berninger shouting his lyrics out without any motion and with a plain face and all the people and all that, what was most noticeable was the talent of this fiddler, playing with that unique energy of rock but with the vituosity of an orchestra soloist. Truly something unique.

martes, 23 de junio de 2009

Lady Gaga / Bat for Lashes

OK, tengo que confesar algo. Sin importar cuánto daño le haga a mi credibilidad indie, debo de sacarme esto del pecho. Me encanta "Poker Face". Mejor dicho, la canción me parece decente, pero el primer minuto me parece sencillamente brillante. Lo mismo con el video, todo lo que concierne a Lady Gaga, saliendo de la piscina, vestida de negro, máscara vienesa de bola disco, entre gran daneses, es estética pura. Y si hay algo que me gusta y busco en las artes visuales: eso es la estética. Y todo en medio de ese asquerosamente pegajoso "mah-mah-mah-mah-MAH" y la memorable línea de sinte.

La mismísima Lady Gaga me parece bastante interesante también. Inició desde muy chavita en exhibiciones artísticas con su compañera Lady Starlight en plena escena neoyorquina, donde mezclaban ironía con creatividad y sexualidad y más que solo un poco de burla hacia la música y artistas que las inspiraban. Origen bastante más interesante que el club de Mickey Mouse o el pinche Disney Channel, creo yo. Aparte de que su carrera ya como ícono y figura prominente del pop es increíblemente ambigua, no tengo la menor idea de si esa personalidad sobre-sexualizada de chica rubia (artificial, claro) para la que "la moda lo es todo" es un acto, es ironía, es burla, es en serio, es una mezcla indescifrable de todas o no es ninguna.

Ahora, Bat for Lashes es el nombre artístico de Natasha Kahn, británica nacida seis años después de Gaga y una de las nuevas reinas de la escena indie. Reconocida por Thom Yorke, M.I.A. y Björk, ya con dos discos en su haber, "Fur and Gold" de 2006 y "Two Suns" de 2009. Básicamente, una de esas nuevas artistas a las que Pitchfork se la pasa haciéndole los mandados, lo cual me llevó a ponerla en mi lista de esos artistas a los que tenía que escuchar hace como tres meses y de quien luego me olvidé por completo. Hasta hoy, claro, que decidí buscarla en YouTube y escuché "Daniel" por primera vez.

Hasta ahora, esta parece una entrada extraña, la biografía de dos artistas que no tienen nada en común y comentarios y opiniones al azar respecto a ambas. Y yo antes pensaba lo mismo, que una no podría tener nada que ver con la otra. O al menos eso creía hasta "Daniel", porque verán, para mí "Daniel" es todo lo bueno que "Poker Face" es, sin nada de lo malo. En resumen, "Daniel" es mi canción pop perfecta, y en un mundo ideal, Bat for Lashes sería la estrella pop perfecta. Pero este mundo es lo que es, y a Lady Gaga la escuchas en cualquiera antro al que vayas y a Bat for Lashes la escuchas en el Mixup cuando todos los empleados dejaron de poner atención a la música que están tocando o en MTV cuando quien quiera que se encarga de programar los realities se queda dormido.

Sin embargo, no estoy diciendo que Bat for Lashes es intrínsecamente superior a Lady Gaga, al menos no como personalidad, aunque musicalmente yo diría que al menos un poco sí, lo es. Aunque claro, lleva más experiencia en todo esto de, ya saben, existir. Me parece curiosa e interesante la manera en que se contrastan y complementan en la escena musical, sobre todo en el mercado de "solistas femeninas de corte pop". Ambas están en extremos opuestos del espectro de la ironía (un espectro probablemente circular donde no hay lados opuestos), donde BfL abraza la variante que dice que hay un punto donde estás tan pasado de moda que eres la moda y Gaga está en el punto en que ¿qué importa si no veo nada con estos lentes y este vestido con estalagmitas me impide moverme, si me veo así de bien? Mientras BfL sería la chava tímida y rara que siempre se ha vestido y escuchado así, Gaga sería la que la imita y se vuelve más popular por ello, la hipster. Creo también que comparándolas musicalmente, Gaga sería la David Bowie de la época glam, brillante pero demasiado enfocada en la estética, mientras que BfL sería parte innegable de New Weird America, de no ser por que es británica, músicos haciendo su propia cosa simple y sencillamente porque sí.

Por último, he de confesar que aparte de "Poker Face", no puedo decir que haya alguna otra canción o video de Gaga que me guste (aunque muy a mi pesar me he descubierto tarareando "Just Dance"), mientras que podría pasarme todo el día viendo y escuchando "Prescilla", "What's a Girl to Do?" (probablemente mi video favorito de todos los mencionados) y "Pearl's Dream" (que junto con "Daniel" me hizo decidir escribir algo sobre Gaga y BfL juntas en vez de por separado).

Carajo, es lo que he estado haciendo.

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OK, I have a confession to make. It doesn't matter how much this may hurt my indie cred, I must get this out of my chest. I love "Poker Face". Actually no, I find the song decent and its first minute nothing short of brilliant. Same deal with its video, with everything regarding Lady Gaga, all dressed in black, with a disco-ball Venetian mask, coming out of a pool between Great Danes, as purely aesthetic. If there's anything I like and look for in the visual arts: it's aesthetics. And all this between that disgustingly catchy "mah-mah-mah-mah-MAH" and that memorable synthline.

I find Lady Gaga herself quite interesting as well. Her career began when she was quite young doing artistic exhibits with her partner Lady Starlight in the midst of the NY scene, where they would mix irony with creativity and sexuality and more than just a little bit of mocking for the music and artists that inspired them. I'd say that's a definitely more interesting origin that the Mickey Mouse Club or the fucking Disney Channel. Not to mention that now that she's acquired her undeniable status as icon and spearhead of pop, she handles her career in an incredibly ambiguous way, as I don't have the slightest clue whether her image of an over-sexualized blonde (fake, of course) chick who thinks "fashion is all" is really an act, irony, mockery, for real, an undecipherable mixture of all the former or none at all.

Now, Bat for Lashes is the artistic name of Briton Natasha Kahn, born six years after Gaga and one of the indie scene's new queens. Admired by Thom Yorke, M.I.A. and Björk, with two albums in her career already, 2006's "Fur and Gold" and 2009's "Two Suns". Basically, she's one of those new artists that Pitchfork is all up on, which lead to putting her on my list of artists to check out like three months ago and then completely forgot about. That's until today that I searched for her on YouTube and heard "Daniel" for the first time.

I think this may seem a pretty weird entry so far, two completely unrelated artists's biographies, along with random comments and opinions on both their careers. I used to feel the same way, in that there couldn't possibly be any relation between the two of them. That was, of course, until I heard "Daniel" as this song is, to me, all the good things "Poker Face" is, with none of the bad. In summary, "Daniel" is my perfect pop song and in an ideal world, Bat for Lashes would be the perfect popstar. But, this world being what it is, you'll hear Lady Gaga in absolutely all clubs absolutely all nights while you might hear some Bat for Lashes in Mixup (popular Mexican record store) if, say, all the employees have stopped paying attention to what's being played on the speaker system or on MTV if the guy in charge of programming all those realities falls asleep.

However, I'm not saying Bat for Lashes is intrinsically better than Lady Gaga, at least not personality-wise, although musically yes, I'd say she is, a little. Although you know, she's had more experience at this whole, um, being alive deal. I find the way they contrast and complement each other in the music scene quite funny and interesting, specially in their "female solo popstar" niche. They're both on the opposite ends of the irony spectrum (a possibly circular spectrum that has no opposite ends), where BfL embraces the variant where there's a point you're so out of fashion you're actually in, Gaga is at the point where who gives a shit if I can't see through these shades and this stalagmite-studded dress limits my every move, if I look this good? While BfL is the shy, weird girl that's always dressed and sounded like that, Gaga is the one that starts imitating her and becomes more popular because of it, the hipster. I'd also say, comparing them musically, Gaga would be David Bowie in his glam days, brilliant, but a tad too into the aesthetics, while BfL would undeniably be a part of New Weird America, except she isn't because she's British, a bunch of musicians doing their own thing just because.

Finally, I must confess that, other than "Poker Face", there's no Lady Gaga song or video I can stand (although, much to my own chagrin, I HAVE found myself humming "Just Dance"), while I could easily spend all day listening to and watching "Prescilla", "What's a Girl to Do?" (probably my favorite video out of all those mentioned) and "Pearl's Dream" (which, along with "Daniel", lead me into doing this entry on both Lady Gaga and Bat for Lashes, rather than doing them separately).

Fuck, it's what I've been doing.

sábado, 20 de junio de 2009

"Fleet Foxes"

Hace apenas poco más de un año que el debut homónimo de Fleet Foxes vió la luz y es soprendente la velocidad con la que se volvió uno de los discos favoritos de la escena indie en los últimos años, así como una presencia recurrente en listas de mejores álbumes y canciones del 2008. Fleet Foxes se formó alrededor de 2006 en Seattle por el vocalista/letrista Robin Pecknold y el guitarrista Skyer Skjelset, quienes compartían un gusto general por los artistas clásicos norteamericanos: Bob Dylan, los músicos soul y r&b de la disquera Motown, Brian Wilson (y por ende The Beach Boys), Neil Young, etc. Sobre todo, su gusto común parecía enfocarse hacia el pop, las melodías, el folclor, la música sencilla y que se escuchara bien.

Todas estas influencias están innegablemente presentes en este álbum. Entre letras que cuentan las historias de padres, madres, hermanos y hermanas, "en algún lugar sobre o cerca de Tennessee", entre imágenes de paisajes de los Apalaches y su típica flora y fauna (animal y humana), Fleet Foxes se muestra como una banda de temática genuina. Entre canciones pegajosas de arreglos sencillos y armonizaciones vocales, la banda canaliza igualmente a The Beach Boys como a The Supremes (más blancos y masculinos, claro).

Sin embargo, no todo es guitarra y coritos de "doo-woop" en la música de Fleet Foxes. "Blue Ridge Mountains", mi canción favorita del disco, tiene un arreglo en base a mandolina bastante bueno e inusual. "White Winter Hymnal" es puritito Beach Boys, si en vez de californianos fueran de la costa este. "He Doesn't Know Why" es de sus pocos intentos de pasar del espectro del pop al del rock, un buen esfuerzo, pero hay que admitir que su lugar parece estar más entre la armonía que entre el ruido. "Tiger Mountain Peasant Song" es algo oscura y hasta tenebrosa. "Quiet Houses" probablemente sea su canción más pegajosa.

Para cerrar, este genial video de "Mykonos", parte de un EP anterior a este disco, pero que igual quiero incluir porque es un gran video y probablemente mi segunda canción favorita de estos grandes músicos.

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It's been little over a year since Fleet Foxes's debut LP saw the light and it's impressive just how fastly did it become one of the indie scene's favorite albums of the last years, as well as a recurring presence in lists of the best albums and songs of 2008. Fleet Foxes was founded around 2006 in Seattle by lyricist/vocalist Robin Pecknold and guitarist Skyer Skjelset, who shared a general liking for classic North American artists: Bob Dylan, the r&b and soul stars of the Motown label, Brian Wilson (and thus the rest of The Beach Boys), Neil Young, etc. Specially, their common taste seemed to focus on pop, melodies, folklore, simple and nice-sounding music.

All these influences are undeniably present on this album. Amongst lyrics telling stories of fathers, mothers, brothers and sisters, "somewhere over near Tennessee", along with their imagery of the Appalachians and its flora and fauna (human and animal alike), Fleet Foxes shows itself as a frankly genuine band. Amongst catchy songs with simple arrangements and vocal harmonies, the band channels The Beach Boys and The Supremes (whiter and maler, but still) alike.

Yet, it's not all sparse guitars and "doo-woop" choruses in Fleet Foxes's music. "Blue Ridge Mountains", my favorite track off the album, was a fairly unusual, fantastic mandolin-based arrangement. "White Winter Hymnal" is pure Beach Boys, if rather than Californian, they'd been from the Eastern Coast. "He Doesn't Know Why" is one of their few tries to go from the pop end of the spectrum to the rock one and, while a damn good effort, it must be said that it seems their place is more between harmonies than between noise. "Tiger Mountain Peasant Song" is dark and scary even. "Quiet Houses" is probably their catchiest song.

Finally, this great video for "Mykonos", which is in an earlier EP by the band, but I still wanted to put in as it's a great video and this song is probably my second favorite by these great musicians.

jueves, 18 de junio de 2009

"LeBaron EP"

OK, vamos a intentar algo nuevo esta vez. Esta reseña no ha de pasar de las 100 palabras. Empiezo a contar después de este párrafo. No debe ser demasiado difícil, considerando que el disco a reseñar es un simple EP de 6 canciones. Otra cosa, no habrá datos más que la banda es mexicana y el EP es su debut homónimo de 2007, de aquí en adelante es pura opinión.

"Inmóvil", el sencillo y la canción que los puso en Reactor y en nuestros oídos. Pop/rock elegante, sencillo, nada pretencioso. Las letras de "Soldado John" ya le tiran a algo un poco más profundo y la canción ya varía más en sus tiempos, parece dos o tres canciones distintas pegadas al azar. Funciona. "El Vértigo del Desprendimiento" es light. Algo olvidable, letras "sicodélicas". "Exilio" justifica las comparaciones que se hacen de la banda con Zoé y Soda Stereo. Influencias rock clásico y britpop. "Segunda Vuelta", véase "El Vértigo del Desprendimiento", letras irónicamente deprimentes. "Inmóvil (Acústica)", tan buena como la original.

¡Ja! Exactamente 100.

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OK, trying something new here. This review will not go over the 100-words mark (not counting cultural clarifications in parenthesis). Counting begins after this paragraph. Shouldn't be too hard, considering it's a simple 6-song EP. Also, no facts other than the following: band is Mexican, album is their eponymous 2007 debut EP, it's all opinion after this point.

"Inmóvil" (Immobile) is the single and the song that put them on Reactor (Mexican alternative radio station, amongst the most important, based on Mexico City) and in our ears. Fancy, simple, unpretentious pop/rock. The lyrics for "Soldado John" (Soldier John) aim for deeper themes and the song features some tempo variations and seems two or three songs randomly stuck together. It works. "El Vértigo del Desprendimiento" (The Vertigo of Letting Go) is light. Somewhat forgettable, "psychedelic" lyrics. "Exilio" (Exile) justifies the comparisons usually made between the band and Zoé and Soda Stereo (pop/rock bands from Mexico and Argentina, most popular in the 00s and late 80s/early 90s respectively), influences from classic rock and britpop. "Segunda Vuelta" (Second Go), see "El Vértigo del Desprendimiento", ironically depressing lyrics. "Inmóvil (Acoustic)", as good as the original.

94, not too bad.

sábado, 13 de junio de 2009

"Mogwai Young Team"


El año era 1997. Una banda escocesa sacaría a la luz "Mogwai Young Team", su álbum debut en la vena del llamado post-rock. Como la mayoría del post-rock, la música de esta banda de nombre Mogwai, es principalmente instrumental, de duración bastante más larga que la canción promedio y enfocada en intentar crear los llamados "paisajes sonoros". Personalmente creo que el post-rock y la música progresiva son primos bastante cercanos, con la diferencia de que el primero tiene mayor aversión a las vocales, a la instrumentación extraña o cuasi-sinfónica, a los álbumes conceptuales y a organizar sus discos en "movimientos" y demás cosas de la tradición clásica que el segundo.

En los once años que han transcurrido desde el lanzamiento del disco, este indudablemente ya se ha hecho de su lugar en la historia como el favorito de la banda a nivel crítico (a pesar de que su grabación fuera, en palabras de la banda misma, "un jodido desastre" y que estos consideraran el producto final como tal) y como omnipresente en prácticamente cualquier lista de los mejores discos de la década pasada. De hecho, en México, la versión más fácil de conseguir es la re-edición de 2008 con un disco adicional de b-sides y canciones en vivo, lanzado en nuestro país por Noiselab (bendito seas tú Héctor Mijangos y tu gran compañía).

El disco es primordialmente instrumental, aunque en canciones como "Yes! I Am a Long Way From Home" y "Tracy" incluyen sampleos de voces que funcionan como sonidos encontrados, como un instrumento más. Solo "R U Still in 2 It" realmente incluye letras y vocales. Como otros discos enfocados a crear paisajes sonoros, "Mogwai Young Team" se escucha como una especie de muestrario de emociones, aunque estos escoceses tienen un espectro emocional un poco más limitado. El disco en general se revela como una oda a la desesperanza, a la nostalgia, a todos esos sentimientos que se parecen a la depresión pero que rara vez llevan a alguien al suicidio. Asimismo, hay un poco de esquizofrenia en "With Portfolio" y, cómo no, un poco de belleza. Algo tétrica y amenazante, pero belleza al fin, en mis dos canciones favoritas del disco: "Katrien" y la incomparablemente épica (16 minutos en la versión del disco, ¡16!, tan épica que YouTube solo la tiene en dos partes) "Mogwai Fear Satan", que cierra el disco con absoluto broche de oro.

Respecto a "Mogwai Fear Satan" y la importancia que tiene para mí esta canción, solo puedo escribirlo en base a una anécdota. Debe haber sido hace unos dos o tres años. Diría que estaba en una de esas etapas en las que no sabía qué hacer con mi vida, pero llevo en esa etapa desde que tengo memoria. Lo que sí es que todavía era en esos tiempos en los que tenía un iPod. Pues estaba en la casa de Pachuca, era fin de semana y no tenía nada que hacer (para variar), así que me salí con el iPod al jardín, me tumbé en el piso, dejé que ese típico sol desértico de Pachuca en verano me secara los barros de la cara, y me puse a escuchar música mientras mi perra me lamía las manos hasta aburrirse e irse a dormir.

Estoy bastante seguro que "Mogwai Fear Satan" fue la primera que salió al prenderlo. La escuché ahí tumbado con los ojos cerrados apuntando al sol (por lo cual todo se veía rojo y a veces verde en vez de negro, como es común si cierras los ojos) un minuto y luego volteé a ver el iPod, vi que faltaban quince minutos completitos así que sencillamente sonreí y me volví a tumbar. Aquí vale la pena aclarar un par de cosas. La primera es que nunca había escuchado la canción completa, la bajé por casualidad y sabía que era de las más largas que tenía en mi colección entonces, pero nunca junté la suficiente fuerza de voluntad para oírla completa, menos de un jalón. La segunda es que ya me he clasificado como una persona distraída, esto no es mi imaginación ni una percepción errónea de mí mismo, realmente soy distraído. Tanto así que (al menos entonces) me era casi imposible escuchar un disco completo y de hecho nunca escuchaba más de dos canciones del mismo artista porque me acababa hartando (REPRODUCCIÓN. ALEATORIA. CADA. VEZ.).

Considerando esto, y a excepción de ese rápido vistazo que le eché al iPod, me pasé la totalidad de la canción ahí tirado, sintiendo el sol, con los ojos cerrados, pensando en nada más que en lo que estaba escuchando. Quizá exagere un poco o no me acuerde tan bien, pero estoy bastante seguro de que ni siquiera me pasó por la mente una palabra, simple y sencillamente escuché. No me dormí, no dormité, mi conciencia no cambió ni siquiera un poquito. Y esos 16 minutos fueron, sin lugar a duda, de las experiencias musicales más poderosas de mi vida. Hey, de hecho probablemente sea la más poderosa que no involucrara ver y oír al artista en vivo.

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The year was 1997. A Scottish band was about to release "Mogwai Young Team", their debut album in the vein of what's commonly known as post-rock. Like most post-rock, this band called Mogwai's music is mostly instrumental, with songs rather longer than average and focused on trying to create those known as "sonic landscapes". I personally think post-rock and progressive music are close cousins, with the difference that the first seems to show more aversion towards vocals, weird or near-symphonic instrumentation, concept albums and the tendency to organize their music into "movements" and other cues taken from the classical music tradition than the second.

It's been eleven years since the record was originally released, period in which it has already earnt itself a spot as the band's most critically-acclaimed (even if in the band's own words, its recording and the final result were "total disasters") and as ever-present on lists of the last decade's best records. Actually, in Mexico, the version you'll find the easiest is the 2008 re-edit with an additional album of b-sides and live tracks, released in our country by Noiselab (god bless thee, Héctor Mijangos and your awesome company!).

The album is mostly instrumental, although tracks like "Yes! I Am a Long Way From Home" and "Tracy" include vocal samples that work as found sound, an additional instrument. Only "R U Still in 2 It" includes real vocals and lyrics. Like other albums focused on creating sonic landscapes, "Mogwai Young Team" seems at times like an emotional sampler, although this Scotsmen have a slightly more limited emotional spectrum. In general, the album reveals itself as an ode to nostalgia, despair, all those feelings that are a lot like depression but rarely lead anyone into suicide. Likewise, we can find some schizophrenia on "With Portfolio" and, why not?, some beauty even. Tetric, somewhat threatening beauty, but beauty nonetheless on my two favorite two tracks off the album: "Katrien" and the insurmountably epic (16 minutes for the album version, 16!, so epic YouTube's only got it in two parts) "Mogwai Fear Satan", the album's magnificent closer.

Regarding "Mogwai Fear Satan" and how important this song is to me, I can only relate with anecdotal evidence. Must've been two or three years ago. I'd say it was one of those points where I had no clue what I was doing with my life, but I've been at that point for as long as I remember. I DO know it was back on the days when I still had an iPod. Anyway, I was at the house in Pachuca, it was a weekend and (for a change) I'd nothing to do, so I went out to the backyard with the iPod in tow, laid down on the floor, let the typical desertic sun of summers in Pachuca dry the zits on my face while my dog licked my hands until it got bored and went to sleep.

I'm pretty sure "Mogwai Fear Satan" was the first track to pop-up on the playlist. I listened there, lying on the floor with my eyes closed and pointing at the sun (which made everything look red and sometimes green rather than black, as is common when you close your eyes) for a minute to then turn at the iPod and find out there were still over 15 minutes of song to go, so I just smiled to myself  and decided to lie down again. I think this is a good point to get a couple things straight. The first is that I'd never heard the song entire, I downloaded by chance and I was aware it was one of the longest tracks on my collection then, but I never gathered enough willpower to listen to it completely, specially not on a single go. The second is that I've called myself distracted before, this is not my imagination or an erroneous perception of myself, I AM FUCKING EASY TO DISTRACT. At least enough for me to (back then, at least) be pretty much unable to listen to an entire album, hell, I pretty much never heard more than two song by the same artist as this made me tired of them (RANDOM. PLAYLIST. EVERY. TIME.).

With this in mind, and with the exception of that little glance at the iPod, I spent the entirety of the song lying there, eyes closed, feeling the sun and thinking of nothing other than what I was listening. I may be exaggerating or may not remember it that well, but I'm pretty sure not a single word crossed my mind as I simply listened. I didn't fall asleep, I didn't drowse off, my conscience didn't change even a bit. And those 16 minutes were, without a doubt, amongst the most powerful music experiences of my life. Hey, it was probably the most powerful that didn't involve hearing or seeing the performer live.

jueves, 11 de junio de 2009

"Ga Ga Ga Ga Ga"

Spoon fue creada en Austin, Texas en 1993, por el fortuito encuentro del vocalista Britt Daniel y el baterista Jim Eno. Casi desde su concepción se marcaron como una banda un poco fuera de los estatutos y cánones comerciales, pero de indudable originalidad y potencial crítico. "Ga Ga Ga Ga Ga" de 2007 es su sexto LP, y el más exitoso hasta la fecha, tanto comercial como críticamente.

Hay que decir sobre Spoon, que con los poco más de 15 años que llevan a sus espaldas, ya son una de esas bandas predilectas de los círculos indie/alternativos. En pocas palabras, son de esas bandas que prácticamente nadie conoce pero los que sí estamos locos por ellos. La banda describe su música simplemente como "rock n' roll", lo que en su propia opinión los pone más cerca de, digamos Elvis y The Beatles que de Pink Floyd y The Doors. Lo que sí hay que decir de su sonido es que sí tiende a ser un poco más limpio, claro y carente de ruido de distorsión que el de la mayoría de bandas que caen en el relativamente más simple apelativo de "rock".

Y la influencias que Spoon toma en este disco de los antepasados del rock y rock n' roll por igual no podrían estar más claras que en el título (y un poco en el sonido) de "Rhthm & Soul". De todo el disco probablemente sea solo "The Ghost of You Lingers" que es distintamente cacofónica y poco bailable. Sin duda alguna, también es la mejor, con su paranoica, tétrica y fantástica introducción que después te das cuenta no es solo la introducción, sino que toda la canción se escucha igual, y luego las partes a dos voces y el coro indescifrable y ¿se nota que me gusta esta canción?

El primer sencillo del disco fue nada más y nada menos que "The Underdog", quizá la canción que mejor representa el sonido de todo el disco, con sus trompetas tipo mariachi y la claridad de la voz de Daniel y su ritmo que innegablemente llama al movimiento. Escuchando otras canciones como "My Little Japanese Cigarette Case", nuevas verdades de la banda se vuelven aparentes. La primera es su fantástico manejo de la guitarra. La segunda, y muy conectada a la primera, especialmente en esa canción, es la capacidad que tienen de mezclar géneros e influencias dispares en un sonido que sin embargo es totalmente suyo (y esto lo digo por el momento de flamenco que tiene la canción justo en el medio).

Una última canción digna de mencionarse aquí por su genialidad es "Finer Feelings", de la cual solo diré: escúchala. Y este video para "Don't You Evah" también tiene su lugar aquí, pero hay que verlo para saber porqué.

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Spoon was funded in Austin, Texas in 1993, due to the casual acquaintance of vocalist Britt Daniel and drummer Jim Eno. Pretty much since their conception they were a band apart from the commercial canons and status, but undeniably original and dear to the critics. 2007's "Ga Ga Ga Ga Ga" is their sixth LP and their most commercially and critically succesful yet.

It must be said about Spoon, that with little over 15 years under their belt, they have already become one of those favorite bands in the indie/alternative music circles. Which simply means that pretty much no one knows them, but those of us that do are pretty nuts about them. The band describes its music as "rock n' roll", which in their own opinion puts them somewhere closer to Elvis and The Beatles than to, say Pink Floyd and The Doors. What must also be said about their sound is that it IS somewhat cleaner, clearer and noise-and-distortion-free-er than that of most bands simply labeled as "rock".

And the influences Spoon draw from the forefathers of rock and rock n' roll alike couldn't be clearer tha on the title (and in the sound too, somewhat) of "Rhthm & Soul". Out of the whole record it's probably only "The Ghost of You Lingers" that's distinctly cacophonic and undanceable. Undoubtedly, it's also the best, with its paranoic, tetric and fantastic introduction that makes you realize it's not just the introduction, but rather the way the shole song sounds like, and then there's the parts with the two voices and the undechiperable chorus and can you tell I just love this song?

The album's first single was none other than "The Underdog", the song that probably represents the entire album's sound the best, with its mariachi-like trumpets, Daniel's voice's clarity and its rhythm that undeniably calls you to move it. With other songs like "My Little Japanese Cigarette Case", different truths about the band become obvious. The first is their fantastic guitar-work. The second, quite related to the first, in that song specially, is their ability to mix mismatched genres and influences into a sound that's still completely theirs (and this is brought up due to the little flamenco moment right in the middle of that song).

A last song worthy of mention due to its genius is "Finer Feelings", of which I can only say: listen to it. And this video for "Don't You Evah", that's also earnt its spot here, although you have to see it to know why.

miércoles, 10 de junio de 2009

"Mirrored"

Los nuestros son tiempos extraños, si consideramos que existe tal cosa como el math rock. El rock para muchos debería ser lo más opuesto a las matemáticas posible. Desordenado, revuelto, enérgico, impulsivo y definitivamente ilógico. Un montón de gringos a finales de los 80s y principios de los 90s no creyeron esto, y decidieron poner a buen uso sus inconclusas carreras en física y actuaria y hacer algo de provecho con sus vidas: tocar.

De entre las bandas pioneras de este movimiento, probablemente la que mejor definiera el sonido del math rock como tal fuera Don Caballero, de Pittsburgh, fundada en 1991 y activa de 1993 a 2000. En su música se notan a todas luces las características del math rock: estructuras arrítmicas, ritmos super-estructurados, asincronía, tiempos extraños y una sensación bastante curiosa de ritmo, basada en silencios, disonancias y hasta un poco de cacofonía (como todo buen rock).

El movimiento resurgiría, como toda corriente alternativa y ruidosa de décadas pasadas (especialmente 80s y 90s considerando la capacidad de olvidar lo no-inmediato de nuestra generación) a principios y mediados de los 00s, agazapado con la mayoría de la música innovadora, original y buena de esta década, bajo el universal, ambiguo y cómodo nombre de indie. Entre las bandas que surgirían en este momento, se encuentran Minus the Bear (con un acercamiento un poco más pop al math rock que otras, como se aprecia en "Knights" y "Pachuca Sunrise", videos definitivamente dignos de ver), Foals (más bailable, electrónico y británico y de quien solo mostraré "Olympic Airways" y "Cassius" ya que he de escribir de ellos solos en alguna ocasión) y claro, la banda estadounidense cuyo debut "Mirrored", de 2007, me llevó a escribir esta entrada, Battles.

Considerados los "más artísticos" de esta nueva oleada del math rock, Battles se caracteriza por canciones bastante más largas y estructuradas que las de sus contemporáneos, por ejemplo sus dos fantásticos sencillos, "Atlas" y "Tonto" que en sus versiones de álbum duran más de siete minutos. Ambas se mueven constantemente entre temas e instrumentación, lo que les da un aire como de movimientos de música clásica o progresiva. Asimismo, en ambas canciones se destaca otra de las características únicas de esta banda, los a la vez familiares y extraños sampleos de voz realizados por el integrante Tyondai Braxton, lo más semejante que cualquiera de sus canciones pueda tener a un coro o una parte que puedas cantar.

A pesar de escucharse como música extraña o que necesitas estar en un humor muy específico (totalmente loco, por ejemplo) para disfrutar, una de las características más especiales de Battles es lo genuinamente accesible que es su música. Si bien consiste de puros ruidos matemáticos de 4/4 y 3/4 y demás mamadas que a nadie le interesan y lo primero que cualquiera hace al descubrir lo que es un micrófono y lo que se puede hacer con él, la música de Battles es bastante fácil de apreciar y de que hasta se te quede en la cabeza, aunque nunca logres averiguar cómo tararearla realmente.

Por último, este video de "Ddiamondd" que ni es el video original ni tiene nada que ver con nada y por eso me gustó y decidí meterlo aquí y "Leyendecker", que con su reminiscencia de algo tipo soul/hip-hop demuestra a la perfección lo que digo respecto a la accesibilidad de la banda.

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Ours are weird times, considering there is such a thing as math rock. To some, rock should be the absolute opposite to all math is. Disorganized, messed, energic, impulsive and most definitely illogic. Some U. S. folk in the late 80s and early 90s disagreed, and decided to do something about their unfinished physics and math majors and do something worthy with their lifes on the way: they decided to play.

Amongst the pioneers to this movement, it was probably the Pittsburgh-based Don Caballero, funded in 1991, active 1993-2000, that defined its sound the best. In their music, the distinctive sound of math rock is clearly identified: arrhytmic structures, super-structured rhythms, asynchrony, odd tempos and pretty curious notion of rhythm, based on silence, dissonance and even a modicum of cacophony (as all good rock).

The movement would see a resurrection, as all alternative and noisy music currents of the last decades (80s and 90s specially, considering our generation's ability to forget all that isn't immediate) in the early and mid-00s, thrown along with most innovative, original and good music of the decade, under the universal, ambiguous and comfortable name of indie. Amongst the bands that would be born at this time we can find Minus the Bear (with a slightly poppier approach to math rock than others, as can be appreciated in "Knights" and "Pachuca Sunrise", awesome videos by the way), Foals (more danceable, electronic and British and for whom I'll only link to "Olympic Airways" and "Cassius", as they shall get their own entry here sooner or later) and of course, the U. S. band whose 2007 debut, "Mirrored", got me into writing this, Battles.

Considered the "most artistic" out of this new wave of math rock, Battles are characterized by longer, more-structured songs than most their contemporaries, as can be appreciated in their singles "Atlas" and "Tonto", whose album versions are well over the seven-minute mark. They both move constantly between themes and instrumentation, which grants them an air similar to that of the movements in classical or progressive music. Likewise, both songs showcase another of this band's most unique characteristics, the at-the-same-time familiar and alien voice samples done by bandmember Tyondai Braxton, the closest any of their songs has to a chorus or sing-along part.

Despite sounding like strange music, or music that requires a very specific mood or mindset (totally fucking insane, for example) to enjoy, another special characteristic of Battles is just how accessible their music is. While it may be made entirely out of 4/4 and 3/4 signatures and other mathasseries no one gives a crap about and that which everyone makes as soon as they find out what a microphone is and what can be done with it, Battles's music is quite easy to appreciate and to get caught in your head, although you'll never find out how to hum it right.

Finally, this video for "Ddiamondd" that isn't the original and has nothing to do with anything else which is why I liked it and decided to stick it here and "Leyendecker", whose style reminiscent of soul/hip-hop perfectly illustrates what I said earlier about the band's accessibility.